24 por segundo

Appaloosa

noreply@blogger.com (Su) — Sun, 06 Dec 2009 12:48:00 +0000

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

No soy la fan número uno del western, quizá por que se me olvida que cuentan historias fascinantes de personas en un entorno un tanto... árido.

Virgil Cole (Harris) y Everett Hitch (Mortensen) se ofrecen como alguaciles en pueblos conflictivos. Cuando llegan a Appaloosa, se encuentran con un entramado sociopolítico en el que el cacique Randall Bragg (Irons) domina todo el cotarro. La llegada de Allison French (Zellweger) terminará de remover la calma chicha en la que vivía el pueblo.

El subtexto de esta película plantea si son nuestras emociones y pasiones las que nos imposibilitan ser los mejores, o si somos mejores gracias precisamente a nuestras aparentes debilidades. Las interpretaciones son irreprochables (con ese elenco, pa chasco), pero lo mejor son, sin duda, los personajes de Harris y Mortensen...

Accross the Universe vs Mamma Mia

noreply@blogger.com (Su) — Sun, 18 Oct 2009 08:28:00 +0000

He aquí dos musicales hechos a partir de canciones de los Beatles y ABBA respectivamente. Ante el primero tenía tremendas reticencias (aunque un colega beatlémano me la había recomendado) y ante la otra tenía ciertas expectativas después de ver la escena de Meryl Streep cantando Mamma mia. He aquí mi evaluación final de ambas:

MAMMA MIA

Una madre y una hija viven en Mykonos, donde regentan un hotelito monísimo aunque venido a menos; la hija se va a casar, pero quiere que su padre la lleve al altar, con el problema de que no sabe quién es: basándose en los diarios maternos, invita a los tres posibles padres sin que la madre lo sepa. Cuando se entera, le da un soponcio, porque le hacen tilín todos. Comedia de enredos al margen de las pruebas de ADN. Un pasatiempo un tanto inane con marketing exorbitado.

Se sustenta entera sobre Meryl Streep, tanto dramática como musicalmente; Amanda Seyfred (la hija) no lo hace mal y Colin Firth (me gusta mucho este actor) tampoco, pero el resto están un poco cogidos con calzador; cantar, lo que se dice cantar, principalmente Meryl (su versión de The winner takes it all pone los pelos como escarpias); Christine Baranski lo hace bien, pero las canciones le vienen pequeñas; el resto no son nada sin acompañamiento.

La historia es un poco inocua. O totalmente inocua. Para cuando la niña se va a casar, ya se pueden hacer pruebas de ADN.

Entetenida sin más, aunque Mykonos no es el vergel que representan, sino un erial de monte bajo. Con todas las islas que hay en Grecia, podían haber elegido otra, preferiblemente del Jónico, que son más feraces, e igualmente mediterráneas.

ACROSS THE UNIVERSE

En los años sesenta, Jude, un chico de Liverpool (¿qué otra ciudad podría ser?) va a EEUU a buscar a su padre, que trabaja en una universidad del este (Columbia, según imdb)... en mantenimiento; allí conoce a Max, un perdulario que deja la universidad y se va con él a Nueva York, y a la hermana de éste, Lucy, de la que se enamora. Max es reclutado para ir a Vietnam y Lucy en una asociación antibélica liderada por un cantamañanas con carisma. Viven en el piso de Sadie, una cantante de blues, que se enamora y toca con Jo-jo, un guitarrista, al que abandona por grabar un disco y arrasar en el campo de la música. Tras varias idas y venidas, todo se soluciona al final en un concierto conjunto en una azotea.

No está mal la historia, aunque a veces parece metida con calzador.

Lo mejor son las versiones, que respetan el fraseo original de los Beatles, pero tienen fuerza propia; se salen del parámetro Let it be (en forma de spiritual, casi es mejor que la de los propios Beatles, y que San Lennon me perdone), While my guitar gently weeps y Oh Darling.

Cameos (canción incluida) de lujo: Joe Cocker canta Come together y Bono I am the walrus (donde yo echo de menos los uh! cuando dice I am the walrus) y Strawberry fields forever; Salma Hayek hace coros en Happiness is a warm gun.

Todos los personajes tienen nombres sacados de canciones de los Beatles. Pero también se homenajea a Joe Cocker y su versión de With a little help from my friends.

Película por y para beatlémanos, la BSO es colosal.

2001: Una odisea del espacio

noreply@blogger.com (Su) — Mon, 12 Jan 2009 01:37:00 +0000

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Como cinéfila soy un fraude (y como bloguera, casi otro), si a estas alturas de partido confieso que hasta ayer no había visto la peli del post de hoy. Me podría deshacer en análisis sobre las imágenes y el trasfondo filosófico, cómo la música no está puesta al azar... Pero, a pesar de las escenas del hueso (simboliza el progreso, el uso de herramientas, sin palabras expresa tanto, entronca con Eisenstein al sacar la vaca moribunda según deja caer el hueso, etc) y de la fumada final y su guiño al superhombre nietzscheano (de ahí la música de "Así habló Zaratustra", que viene al hilo con la temática subyacente de la peli), la película habla por sí sola con la parte de en medio, la que habla del duelo entre HAL y el ser humano; plantea las suficientes preguntas como para no necesitar monolitos ni guiños evolucionistas, sino el mero devenir de los acontecimientos.

Yo soy la Juani

noreply@blogger.com (Su) — Thu, 14 Aug 2008 21:26:00 +0000

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Lo primero que se me ocurre al pensar en esta peli: es exactamente como me la imaginaba. Bigas Luna, digan lo que digan, es un adalid de la horterada, y esta peli parece un manifiesto de la misma. Cómo convertir una anécdota de fin de semana en un proyecto cinematográfico sin despeinarse. Lo único destacable es la protagonista, no por el personaje, pueril y cabezón, sino por la actriz, Verónica Echegui, premiada y nominada varias veces por esta película. Fuera de eso, el típico personaje de desbordada sexualidad y poco más que contar que tanto gusta a Bigas Luna. Vamos, que si en vez de verla en la tele, llego a pagar los 6 eurazos que cuesta el cine en Barcelona, me da algo.

Expectación ante el retorno de Indy

noreply@blogger.com (Su) — Thu, 28 Feb 2008 18:44:00 +0000

Algunos de vosotros que vayáis al cine más que yo habréis visto el trailer: por la gente que me lo ha comentado, lo más probable es que el cine se llene de treintañeros y, como mucho, cuarentones, que somos quienes crecimos con las aventuras del eminente Doctor Jones (genuino epíteto épico). El estreno será el 22 de mayo (justo después de mis exámenes de mayo-junio, a modo de recompensa). Hasta entonces, he aquí un trailer para ir abriendo boca en los tres meses escasos que todavía faltan para el evento: el retorno del Héroe 20 años después.

Héroes imaginarios (2004)

noreply@blogger.com (Su) — Thu, 21 Feb 2008 20:27:00 +0000

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Lo peor que te puede pasar es que una buena película te atrape después de la medianoche teniendo que madrugar al día siguiente: no podrás escapar. Y eso nos pasó anoche con esta película de corte intimista basado en buenos actores y un guión soberbio, que va soltando notas a lo largo de la cinta que suponen una revelación para el espectador sin perder coherencia en la narración.

Al margen del trabajo de Dan Harris, director y guionista de la cinta, no nos queda más remedio que poner por las nubes a Sigourney Weaver, para quien, seguramente, resultó más difícil meterse en la piel de una madre a la que se le suicida un hijo que matar a todos los aliens del mundo; junto a Emile Hirsch, que interpreta estupendamente al introvertido hijo, es el personaje central de la película. No porque sean las únicas interpretaciones notables, ya que Jeff Daniels (que puede pasar de la deliciosa La rosa púrpura del Cairo a Dos tontos muy tontos sin asomo de rubor), en su empeño de salir de cuadro está presente en toda la dolorosa estupidez de su personaje. Menos mal que todavía queda cine.

Robin y Marian

noreply@blogger.com (Su) — Sat, 16 Feb 2008 09:34:00 +0000

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Una, que es muy fan de los Beatles, ha visto todas sus pelis, y saca una conclusión: Richard Lester no es un director muy allá. Pero entonces ve ésta, nada grandilocuente pero muy efectiva, y tiene que reconocerle el acierto.

Robin (Sean Connery) y Little John (Nicol Williamson) vuelven de las cruzadas y se encuentran que nada es como lo dejaron. Robin está dispuesto a retomar su relación con lady Marian, y algunos viejos enfrentamientos vuelven a la palestra.

Una de las delicias de esta peli es la lista de actorazos que por ella desfilan: Audrey Hepburn, que volvió de su vida familiar; Sean Connery, justo después de rodar El hombre que pudo reinar; Robert Shaw como el sheriff de Nottingham; es interesante el tratamiento que Lester y Shaw hacen del personaje, mucho menos enconado contra Robin que el habitual; Richard Harris como Ricardo Corazón de León; Denholm Elliott como el juglar Will Scarlett; Ian Holm como Juan sin Tierra y, oh sorpresa, Victoria Abril (acreditada con otro nombre) como la reina jovencísima. Una joya entrañable con una visión particular de la muerte de Robin.

Como datos curiosos (y aparte de Victoria Abril, hay alguno más), está el hecho de que Lester rodó en Navarra, que siempre garantizará mejor tiempo que Nottingham, máxime cuando se trata de rodar en exteriores. El director artístico es Gil Parrondo (el que siempre se lleva el Goya con Garci).

Una peli de las que ya no se hacen, la verdad: grandes actores (la peli descansa sobre ellos), un guión presto a alguna sorpresa, humor y emoción. Viendo joyas como ésta, cabe preguntarse en qué momento las películas se convirtieron en productos.

La huelga de guionistas

noreply@blogger.com (Su) — Sun, 27 Jan 2008 13:22:00 +0000

Entre que últimamente no estoy muy al día y escribo muy poco, no sabía a qué se debía la huelga de marras. Pero hoy, en parte por enterarme y en parte por poner fin a la sequía de 24 por segundo (que se iba a convertir en 24 por año), me he puesto dedos al teclado.

Lo más pujante en Hollywood son las series, donde más se invierte porque son un nicho redescubierto. Los estudios sacan una pasta no sólo por los contratos publicitarios y por la serie en sí, sino por venderla en DVD.

De eso sólo sacan tajada los estudios, aunque los que escribieron Los Soprano o Sexo en Nueva York son, en buena parte, los artífices del ingenio que destilan ambas series. Y por eso han decidido presionar a los estudios: para sacar tajada de la venta de DVDs y se retribuya su trabajo.

Parece que los estudios tienen material para 2008, pero más les vale a los productores sentarse a la mesa y dialogar, o les veo reponiendo clásicos o películas en VO para no reconvertir las cines en Starbucks.

Lo que más me maravilla es cómo todo el mundo sigue la huelga con fidelidad que ya soñarían CC.OO., UGT o CGT. Porque no tiene pinta de que los guionistas se vayan a apear de la burra, por lo que al final

a) Tendrán que ceder los de los estudios y pagar parte de sus derechos de autor a los guionistas.

b) Para tener el mismo grado de beneficio, quién sabe si no subirán el precio de los DVD, que no es que sean precisamente un saldo.

c) La gente, por no pagarlos, los descargará por vías paralelas, para gozo y alborozo de la SGAE que, pase lo que pase, siempre sale ganando...

El laberinto del fauno

noreply@blogger.com (Su) — Sun, 28 Oct 2007 21:25:00 +0000

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Una ve El laberinto del fauno y se pregunta dónde están todos aquellos que critican el cine español porque sólo saca películas de la guerra civil con preadolescente: ésta es una peli española (máxime ahora que los descendientes de exiliados tendrán derecho a la ciudadanía) con preadolescente que transcurre en la posguerra, con maquis, un facha más malo que un dolor (porque a Sergi Lòpez, siendo un actor como un piano, sólo lo vemos últimamente haciendo de malo)... Y, sin embargo, arrasó allí donde fue.

Porque, a pesar de todos esos ingredientes que he mencionado arriba, Guillermo del Toro, no olvida que el eje de la película ha de ser la historia, el conflicto.

Ofelia y su madre (Ivana Baquero y Ariadna Gil) llegan a un pueblo del prepirineo porque la segunda se ha casado con un capitán (no está muy bien explicado, los motivos del matrimonio son un poco oscuros).

Ofelia, una niña muy fantasiosa, se encuentra con un hada, que la lleva hasta un fauno, que le dice que es la hija desaparecida del rey del submundo, y le indica tres pruebas que deberá culminar.

Sus fantasías chocan con el mundo que la rodea: maquis, un padrastro (el citado capitán Sergi López), Mercedes (la doncella con su doble juego -Maribel Verdú, que por fin actúa-) y el doctor (Álex Angulo), y su madre, a quien el embarazo no sienta demasiado bien... En un entorno tan acre y poco acogedor, sólo la fantasía podrá rescatarla...

Muy entretenida. Recomendable.

La princesa prometida

noreply@blogger.com (Su) — Tue, 16 Oct 2007 17:19:00 +0000

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Cuando mi tía me puso, hace ya 17 años, la peli de marras, reaccioné como el niño Fred Savage: puaj, menuda moñez. Como él, al día siguiente quise verla de nuevo, y el siguiente paso fue el proselitismo sistemático por mi parte, con reacciones similares a la mía: del puaj al digamos frikismo desaforado

De acuerdo, es una película de besos. Pero, vaya por Dios, el guionista es William Goldman (Marathon Man, Dos hombres y un destino) y el director Rob Reiner, más o menos cuando rodó Cuando Harry encontró a Sally o Cuenta conmigo y mucho antes de caer en el lodazal llamado Historia de lo nuestro.

Al hilo: Buttercup (Robin Wright) es hija de un granjero y Wesley (Cary Elwes) es el fámulo de su padre, que se enamoran un poco a regañadientes. Para hacer fortuna, Wesley va a lejanas tierras, pero su barco es abordado y el pirata Roberts, que nunca hace prisioneros, da cuenta del bajel.

La pobre Buttercup se sume en una depresión tremenda, y todo le da igual. Así que cuando el príncipe la elige como su mujer, aunque no presentara telediario alguno, pues se deja hacer, para el caso.

Pero el príncipe Humperdinck (Chris Sarandon) no se casa con ella para consumar el matrimonio, sino la guerra, para lo que contrata a un siciliano (Wallace Shawn) y sus secuaces, el español espadachín Íñigo Montoya (Mandy Patinkin, que se digna hablar el inglés con acento español, hace muya buena caracterización) y Fezzik (André el Gigante) para que secuestren a la princesa Buttercup, la maten y echar la culpa al reino vecino. Pero las cosas no salen como ninguno de ellos espera...

Aunque a estas alturas me sé los diálogos, no dejan de ser chispeantes e ingeniosos y llenos de irónicas vueltas de tuerca que hacen de ella una película entrañable a todas luces, a pesar de los decorados horrendos que de vez en cuando asoman.

¿Y cómo es que ahora hablo de esta peli? Pues porque ayer la echaron en el canal cosmopolitan, donde, aunque la interrumpían con mil anuncios, no le robaban su magia. Me di cuenta de que Elwes y Wright eran unos críos (a los 14 me parecían mayorcísimos). Quizás no sea la película 10 de la historia del cine, pero sigue entreteniendo, haciendo sonreír (y recitar los diálogos, a qué engañarnos) y, sin duda, ha resistido el paso del tiempo.

Para los cazadores de personajes, Billy Crystal o Peter Falk (conocido mundialmente como Colombo) se esconden en la cinta. Para los coleccionistas de BSOs, es de Mark Knopfler (que, por aquel entonces, estaba o acababa de salir de Dire Straits), y su tema principal, A Storybook Story está cantado por Willy de Ville.

La habitación del hijo

noreply@blogger.com (Su) — Sun, 08 Jul 2007 20:21:00 +0000

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Una de las cosas más de agradecer en esta película de Nanni Moretti es la falta de estridencias, alharacas y aspavientos, máxime cuando el tema que trata es tan duro como la muerte de un hijo. Obviamente, hay momentos en los que se puede empatizar con los personajes, pero, salvo una escena -corta- en la que la madre grita de dolor tumbada en la cama, en general los personajes lloran en silencio.

Giovanni -qué poca imaginación tiene este hombre para bautizar a sus personajes- es un psicoanalista que tiene una familia razonablemente bien avenida y que un domingo, a causa de la llamada de un paciente, en vez de salir a correr con su hijo adolescente, hace una visita a domicilio. El chico se va a bucear con sus amigos, y sufre un accidente mortal. Este hecho resquebraja, como ciertas piezas de vajilla de la casa, la unidad familiar.

Si dejamos de lado el clásico egocentrismo de Moretti, que no es ni el mejor ni el peor actor posible, en general las interpretaciones están bien, pero el guión es más reseñable. La verdad, lo más llamativo de la historia es la aparición de Arianna, una chica con la que se carteaba el difunto Andrea, que primero rehúye el contacto, y luego aparece con un amigo autoestopista con el que quiere irse a Francia haciendo dedo.

Esta chica introduce una escena no por más sutil menos conmovedora, y que da título, probablemente, a la peli: las fotografías que el hijo se hizo en su habitación. De nuevo, sin alharacas ni estridencias. Al final, a falta de un conductor amable, el propio Giovanni lleva a los chicos de Ancona al primer pueblo de Francia; toda la familia (mujer e hija) va con él, en un raro momento de cohesión familiar que llevaban rato sin compartir.

Quentin y Uma en la sala de reanimación

noreply@blogger.com (Su) — Sat, 07 Jul 2007 19:57:00 +0000

¿Qué tienen en común Pulp Fiction y Kill Bill?

La respuesta está en el título: ambas dirigidas por Tarantino, en ambas brilla la Thurman, y en ambas se resucita a un zombi cinematográfico, primero John Travolta (viendo sus trabajos posteriores, una no sabe si agradecérselo o cagarse en todo, más que nada por Phenomenon o Campo de batalla: la Tierra, filmada y producida por Travolta para mayor gloria del fundador de la cienciología) y luego David Carradine, del que sólo tenía noticia por la parodia que le hacen los Martes y Trece en uno de sus especiales de hace una década.

Sobre la escena en la puerta de la capilla, tuvo lugar una conversación similar a ésta:
Q.T.- Es la mejor escena que tienes en la película.
D.C.- Es la mejor escena de toda mi carrera.

Como David nunca ha sido ni guapo, ni bueno, ni actor de moda, sigue siendo un actor secundario en tantas series; pero al menos la juventud (lo que me incluye) podrá recordar a David en un papel mínimamente decente, desde el punto de vista interpretativo (ha sido el recorrido inverso a su hermano Keith, que empezó con Ridley Scott en la magistral Los duelistas ha acabado calvo y gordo en una telecomedia para adolescentes).

Destripando remakes: Nueve reinas / Criminal

noreply@blogger.com (Su) — Mon, 18 Jun 2007 23:51:00 +0000

Los remakes son una excusa cuando no hay ideas. Aquí enfrentamos el original frente al remake: similitudes, diferencias...
Puede contener algunos spoilers (¡dobles!).

John C. Reilly no es Ricardo Darín, pero hoy le he visto hacer la famosa escena del restaurante, pidiendo el cambio de 100 dólares que el camarero decía no haber pagado. Me ha invadido una sensación de déja vu, y he decidido mirar el argumento... Unos sellos (no 9, sólo 2, y bastante más grandes que en el original argentino), un timador novato y otro experto que tanga la herencia a sus hermanos pequeños, que trabajan en un hotel de lujo... Y, en vez de Buenos Aires, Los Angeles.

Acabaremos antes si decimos que, aparte de la decoración (con menos encanto en la peli gringa, aunque tampoco es lo más criticable), sólo hay tres escenas diferentes (de lo parte que he visto, que es casi toda):

La escena en la que el personaje de Gastón Pauls (aquí el mexicano Diego Luna, por aquello de mantener, aunque sea en grado mínimo, la conexión latina) vuelve al hotel a besar a la hermana del otro cabroncete;

La escena del tumulto en el banco: en Los Angeles, California, USA, no hay corralito ni problemas con la moneda, y lo han resuelto como han podido, en mi opinión, de manera menos redonda.
El niño que pide en el metro; esto se deriva del anterior punto; esa escena en la original argentina es muy amarga...

LO MEJOR:

John C. Reilly, que lo hace bien -vaya novedad-, y todos los defectos que se le puedan encontrar son de los matices que le han puesto al guión original, porque él da para mucho más.
Que den crédito a la película de la que la han sacado. Y en letras grandes.

LO PEOR: Uff... Varias cosas...

La poca química que hay entre los personajes. Los de Pauls y Darín, a pesar de la vuelta de tuerca final, tienen más química a lo largo de la película.
En la original, el idioma castellano era más un nexo que una separación: que un personaje sudara tinta china para imitar el acento español era parte de la sutileza de la trama. Aquí, que Diego Luna hable castellano es parte de la separación y la falta de química de su personaje con el de Reilly.
Leticia Bredice es una magnífica actriz, y Maggie Gyllenhall es discreta. Al margen del canon estético de cada cual...

Vamos, que Clooney y Soderbergh, que dentro de poco irán por el Ocean's One Thousand (o se podrán a hacer precuelas desde Ocean's One en adelante...) se podían haber ahorrado el dinero o haberlo invertido en cursos de español avanzado... Una buena trama que, como de costumbre, es mejor en su versión original...

Sobre John Williams

noreply@blogger.com (Su) — Wed, 30 May 2007 23:07:00 +0000

El otro día, en un programa de música de cine que dan en una cadena de música sinfónica, hablaban de este clásico de las BSO, John Williams. Ya habíamos analizado su trabajo a partir de audiciones, y, entre el Barbas y yo, llegamos -desde nuestros limitados conocimientos musicales- a conclusiones que refrendaron en la radio...

1. Da la sensación de haber llegado tarde a la música clásica al uso: si hubiera nacido unas décadas antes, hubiera sido un romántico de la mano de Mahler, por ejemplo. En vez de eso, hizo escuela en lo de las bandas sonoras y, digamos, es la cabeza del neosinfonismo (palabro aportado por el programa de radio). Esto se puede advertir en la riqueza y sutileza de sus composiciones: Johnny no orquesta a la ligera (recomiendo, a este punto, la banda sonora de ET).

2. No puede negar la influencia de Wagner: incorpora leitmotivs o motivos musicales, para identificar bien personajes (conocido es el de Indy) o conceptos más o menos abstractos (la Fuerza, el Imperio o el Arca de la Alianza) con unos pocos compases.

3. Le encanta la sección viento metal. Es un hacha con las fanfarrias que, lejos de convertir en una charanga de pueblo, dota de sutileza en la composición y orquestación. Aunque os chirríe, escuchad la de Star Wars (treinta años, y es un clásico de la BSO): no son cuatro trompetazos, hay un tejido subyacente de ventosas notas que no se limitan a rellenar el espacio sonoro, sino a enriquecerlo...

Star Wars, treinta años después

noreply@blogger.com (Su) — Thu, 24 May 2007 19:43:00 +0000

Hace mucho tiempo, en una galaxia muy lejana...

...un estudiante de cine con intereses antropológicos llamado George Lucas se sacó de la manga un western galáctico con reminiscencias de Kurosawa (se inspiró en La fortaleza escondida, dice él). Las pasó canutas para encontrarle producción y distribución, y llegó a un acuerdo con la Fox que ellos vieron como un chollo: ellos se quedaban con las ganancias de taquilla, y George las de merchandising. El tiempo les demostró su craso error.

Con el tiempo, Darth Vader se convirtió en la personificación del mal, Alec Guinness es más conocido por Obi Wan Kenobi que por toda su carrera anterior y posterior, Harrison Ford lanzó la suya y Carrie Fisher, aparte de Cuando Harry encontró a Sally y Hannah y sus hermanas, vio que como escritora se lo podía hacer casi mejor que como actriz...

Por su parte, Lucas relanzó en Hollywood

la comercialización de las películas;
la industria de F/X.

Así, a pesar de que una ha crecido gracias a la Fuerza, debe confesar que Lucas ha resultado, desde luego, mejor empresario que cineasta y mejor productor que director, pero, en esta singladura galáctica, ha quedado claro que la Fuerza estaba con él...

25 de mayo de 2007, 30 años del estreno de Star Wars episodio IV: una nueva esperanza (conocida tradicionalmente por La guerra de las galaxias).

Monty Clift en Vencedores y vencidos

noreply@blogger.com (Su) — Tue, 22 May 2007 00:32:00 +0000

Aparte de la traducción del título (que debería haberse llamado Los juicios de Nuremberg, pero las presiones del régimen de Franco lo impidieron formulando esta pregunta por demás estúpida, porque todo el mundo sabe que la respuesta es vencidos), lo que más me saca de quicio de la citada película es el interrogatorio de Monty Clift, que versa sobre las políticas eugenésicas del régimen nazi.

El abogado hace preguntas. Monty se luce, despierta la piedad del espectador, que se pone de los nervios y desea que el picapleitos se calle y le deje en paz, tranquilo, a sabiendas de que el recital de actuación se acabe.

Marlene Dietrich y sus escenas de tensión sexual no resuelta con Spencer Tracy simboliza esa ignorancia de los hechos que aducían los ciudadanos alemanes ante lo que ocurría en su país. Y tuvieron que contratar a Burt Lancaster para que alguno de los nazis tuviera algo de humanidad...

Culo veo, culo quiero...

noreply@blogger.com (Su) — Wed, 16 May 2007 17:43:00 +0000

En España los ruegos a la ministra no se han hecho esperar, y si en EEUU quieren proscribir el consumo del tabaco en celuloide, aquí quieren evitarlo... por el procedimiento más expeditivo de cortar subvenciones a las películas con humo. Al margen de la imitación un tanto chorra de la restricción (refuerzo negativo al más puro estilo Skinner), está el tema de ¿debe el arte restringirse según la normativa al uso? ¿Dónde están los límites, antes de llegar a las snuff. Yo no fumo, pero estas restricciones pseudoeducativas ¿deben contemplarse como parte del cine?

No es código Hays, pero...

noreply@blogger.com (Su) — Mon, 14 May 2007 00:20:00 +0000

Yo suponía que lo del código Hays ya pasó a la historia en Jolibú y ya no había tantas restricciones; pero parece ser que, únicamente, se limita al sexo, por el simple hecho de que la gente quiere ver chicha. Pero hay más formas de vulnerar la moral y saltarse el mandamiento uno del citado código, que dice:

Ninguna película derribará los estándares morales de los espectadores: no debemos hacer que los criminales y aquellos de comportamiento errático, malvado o pecaminoso sean simpáticos o agradables al espectador.

¿Y a qué viene esto?

A que en los USA han decidido implantar como norma que no se debe sacar en las películas a nadie, aunque sea malo malísimo, fumando. Obviemos el submandamiento sobre las sustancias tóxicas:

El consumo de drogas ilegales está prohibido, así como el de licor, "cuando no lo requiera la trama o la caracterización adecuada del personaje".

Al fin y al cabo, el tabaco cualquier día de éstos deja de ser legal...

En fin, que a este paso, con el retocado digital, harán que Bogie en Casablanca, tome pirulíes como Cruyff en el banquillo del Barça. Y si no, al tiempo.

El quinto elemento

noreply@blogger.com (Su) — Mon, 07 May 2007 12:10:00 +0000

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Pensaba que, por lo oído, se ceñiría perfectamente a la definición de una mierda pinchada en un palo, pero, si bien no contribuye sensiblemente a la historia del cine, por lo menos es entretenida. Además, Bruce Willis, calvo como siempre y teñido de rubio, vuelve a salvar el mundo.

Hay una hermandad de sacerdotes que protege la Tierra del Mal, que ya estuvo asolada una vez, y que estaba previsto que volvería a estarlo aproximadamente tres milenios más tarde.

Cuando esta contingencia se presenta de nuevo, los sacerdotes se encuentran con un aparato burocrático importante, y el ejército toma las riendas. Pero aparece una variable con la que no cuentan, que es el Quinto Elemento (ninguno sabe que lo es), que, huyendo, se encuentra con el Bruce Willis, antes mayor del ejército, y ahora taxista en Nueva York after Blade runner.

Está cantado, pues, que Bruce Willis tiene que ayudar al Quinto Elemento (y a un montón de gente que se lo pide a falta de nadie mejor) frente a los que se lo tratan de impedir (los malos, cuyo mayor representante es Gary Oldman, qué raro) a buscar las piedras (que son los otros cuatro elementos) y salvar el mundo de un armaggedon en formato Gran Bola de Fuego.

Entre lo mejorcito está, curiosamente, Bruce Willis, que, cuando está razonablemente bien dirigido, da el pego, y, por supuesto, Ian Holm o Gary Oldman, a pesar de que se pasa de paródico; también es de destacar el sentido del humor, esencial para poder verla sin acordarse de Luc Besson y su parentela.

Lo peor es la Milla Jovovich (aunque supongo que para ellos tiene el aliciente visual), que es muy mona, pero muy limitada como actriz y el infumable cantantillo que hace de loca y que, francamente, tampoco tiene un relieve en la historia que justifique todas las escenas que tiene en la peli (vale, que sí, que transmite al presidente lo que pasa... pero ni por ésas, me sobra).

Aunque sinceramente me fastidia que las Juventudes Pseudocinéfilas crean que el look Blade runner lo inventó Luc Besson, como ya he dicho, es una peli entretenida para un domingo por la tarde...

...sin más pretensiones que reírse y lamentar el final moñas que gasta... No es que me den miedo o asco las ternezas, es que no pega con el resto de la peli...

Cine español 1: el divorcio con el público

noreply@blogger.com (Su) — Thu, 26 Apr 2007 17:00:00 +0000

Durante muchos meses, foreé en Terra sobre cine y aledaños: generalmente, en el subforo de cine español, se solían repetir ciertas pautas entre los foreros, que se podrían sintetizar en varios conceptos:

El cine español...
...sólo habla de la Guerra Civil desde el punto de vista de los republicanos o de niños con picores y furores eróticos;
...no sabe lo que son escenas de acción;
...aburre a las vacas.

Esta síntesis es un poco exagerada, pero sí deja de manifiesto una realidad: a la gente el cine español le parece un pestiño; no sé si es por esa tendencia patria de denostar todo lo que aquí se hace a excepción de la liga de fútbol y el jamón ibérico, o por algo que llama más la atención: ¿trata el cine español temas que interesen al público?

Por un lado, Almodóvar y sus melodramas over the top; por otro, Julio Médem y sus películas intimistas e indudablemente afrancesadas; Amenábar daba espectáculo... hasta que, para muchos, se volvió intimista, o similar (Mar adentro). Agustín Díaz Yanes lo intenta, una y otra vez, pero no acaba de acertar. Berlanga y Saura, contra Franco filmaban mejor. Y aunque nuestros actores gustan y triunfan por ahí fuera, aquí la cosa renquea, no acaba de despegar...

Pero una se pregunta si fue antes el huevo o la gallina. ¿Son las películas las que se alejan del gusto de la gente, o es que la gente da la espalda al cine español ya por costumbre?

Judy Garland, más acá del arco iris

noreply@blogger.com (Su) — Sun, 22 Apr 2007 10:37:00 +0000

Hay veces que una se mira al espejo y piensa Dios, qué gorda estoy.

Por suerte o por desgracia, una no está sola en esas caídas del autoconcepto por motivos estéticos: a Judy Garland le salieron muy caros.

Trabajaba con bellezones como Lara Turner, y ella se veía del tipo albondiguilla, y aunque las rellenitas también tengamos nuestro público, para ella era una losa no en su carrera, sino en su autoestima.

Le recetaron anfetaminas para adelgazar. Para contrarrestar los efectos de las anfetas, le recetaron barbitúricos para dormir. Se enganchó a ambas cosas, y aunque intentó dejarlo, cuando vio los efectos del desenganche en su tipín, volvió a las andadas.

Seguramente, si hubiera sido Judy y no Dorothy quien visitara al mago estafador de Oz, le hubiera importado una figa volver a Kansas y hubiera pedido un tipín de sílfide del bosque sin pastillas ni disgustos. Pero, más acá del arco iris, la realidad se impone: murió de sobredosis en 1969, a los 47 años.

Pe

noreply@blogger.com (Su) — Thu, 19 Apr 2007 13:29:00 +0000

Por esa tendencia tan española a criticar a todo el que triunfa, a Penélope le debe chiflar el oído izquierdo a diario.

A mí no me cae especialmente bien la moza (y digo moza porque tiene mi edad, a ver), y hace unos pestiños que es para coserla a collejas, pero cuando encuentra un buen director, creo que es más que resultona.

Como en Estados Unidos le dan unos papeles que también es para darles de comer aparte (los buenos son para Reese Witherspoon, Julia Roberts y otras all-American actresses) y el último trabajo gringo que le vi fue el anuncio de la coca-cola y el eructo, me tengo que remontar a su singladura cañí, concretamente a tres películas:

La niña de tus ojos, de Fernando Trueba. Aquí interpretaba a Macarena Granada, una folclórica que hacía películas en los años 30 (no es biopic, pero está inspirada en Imperio Argentina), por lo que viaja con toda la troupe fílmica a Berlín a rodar una españolada (somos españoles, qué vamos a hacer, ¿alemanadas? ¿americanadas?) en español y alemán. Lo mejor de la peli (mi humilde opinión, y en este orden) son la Sardà (¿cuándo no?) y Pe.

Abre los ojos, de Alejandro Amenábar. Habrá quien diga que al lado de Eduardo Noriega un tronco de árbol es más expresivo, pero creo que aquí lo hace mejor que bien.

Todo sobre mi madre, de Pedro Almodóvar. Ya sé que la gran sorpresa de esta peli es Antonia Sanjuán, y están Cecilia Roth, Candela Peña, Marisa Paredes y (otra vez) la Sardà. Las más naturalitas son Cecilia, Candela, Rosa Maria y Pe...

Y me falta por ver Volver.

Sí debo añadir que para el espectro patrio me parece buena (siempre que el director sepa aprovecharla). Tengo más dudas sobre si se merecía el Oscar o no; ya he dicho que no he visto la peli por la que la nominaron, pero sí creo que tiene un techo en su interpretación, y puede que sea ese techo el que la separe del tío Oscar...

Fama

noreply@blogger.com (Su) — Tue, 17 Apr 2007 22:33:00 +0000

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Si por algo no se distinguen los musicales de Alan Parker es por ser la alegría de la huerta: en The Wall (1982) nos contaba el mal viaje vital de una estrella de rock interpretada por Bob Geldof con música de Pink Floyd (la vi hace una pila de años, por lo que no puedo decir más que me impactó la escena en que se afeita el pecho). Los Commitments (1991) cuenta la historia de un grupo de soul de Dublin condenada al fracaso desde el principio (aunque la banda sonora es memorable). Evita (1996), pico interpretativo en la carrera de Madonna, cuenta el ascenso y la amarga caída de la señora Perón según la visión de Rice y Weber.

La de hoy, Fama, es anterior a todas, y le debe mucho a Bob Fosse, el maestro absoluto en lo que a musicales sórdidos se refiere. Nos cuenta el paso de una promoción de jóvenes por la Escuela de Artes de Nueva York; en la serie que hicieron después a raíz del éxito de la película los personajes tienen un glamour que no existe en la película. Las escenas de humor (que las hay) sobreexponen a los personajes al ridículo.

Ya puestos a ver los aspectos formales, se divide en cuatro, según los cursos de la promoción de la que habla la película, desde las pruebas de acceso (una gran escena) hasta la graduación, cada uno con sus cuitas: Leroy (el mismo Leroy de la serie, el mismo Leroy Johnson de siempre) y sus problemas académicos para todo lo que no es baile; Doris y sus cuitas para reafirmarse ante su madre judía, absorbente y mandona; Ralph y sus problemas para hacer reír en un mundo que no tiene gracia; Bruno Martelli, músico ajeno a la historia de la música (en oposición al profesor Shorofsky) y Montgomery, y sus problemas para encajar en el mundo. El final es tan abierto como el destino de una promoción al acabar los estudios, pero, como en algún sitio tenía que acabar Parker, se dedica a la fiesta de fin de curso.

Fama fue rodada al final de la era disco, y se nota en la banda sonora. Si no estás familiarizado o directamente te repatea, chocan. Para alivio de algunos, no tiene muchos números sonoros, y está dirigida de manera inteligente por lo que, a pesar de lo obsoleta que pueda parecer la música, resiste el paso del tiempo. Quizás se deba a que son los mismos problemas de siempre, aunque en un gremio muy concreto.

Ingrid & Roberto

noreply@blogger.com (Su) — Sun, 15 Apr 2007 22:16:00 +0000

Un buen día, el director de cine Roberto Rosellini recibió una carta como ésta:

Estimado Señor Rossellini:

Vi sus películas Roma, ciudad abierta y Paisà, y me gustaron mucho. Si necesita una actriz sueca que hable muy bien inglés, que no haya olvidado su alemán, a la que no se entiende mucho en francés y que en italiano sólo sabe decir ti amo, estoy dispuesta a hacer una película con usted.

Ingrid Bergman

Trabajaron juntos en Stromboli y se enamoraron. Roberto Rossellini cometió el error de llevar a comer a Anna Magnani para contárselo, y digo que fue un error porque ella le echó por encima, como una furia del infierno, un plato de espaguetis a la boloñesa.

Ingrid estaba casada con un dentista danés, mucho más educado, que la Magnani, que le echó por encima una demanda por abandono del hogar. Como por aquel entonces el código Hays, que preconizaba la virtud y el matrimonio, hacía estragos, Ingrid fue boicoteada en Estados Unidos, y blanca y radiante se casó con Roberto en lo profesional y en lo legal... hasta 1957.

Planos secuencia para las escenas de pelea

noreply@blogger.com (Su) — Fri, 06 Apr 2007 19:42:00 +0000

Dicen que Viggo Mortensen maneja la espada de maravilla: si depende de Peter Jackson, cualquiera lo diría, dado que riega El señor de los anillos de planos muy cortos, tanto en la duración como en el zoom que le aplica al tema. Ves películas clásicas como Ivanhoe (una adaptación pésima de una buena novela), Robin Hood o El maestro de esgrima (española y no tan clásica), y el director confía más en los actores y en los instructores de esgrima que los adiestran.

Otra vez podemos echar la culpa a la falta de valentía de los directores o a su falta de técnica y a la estética de videoclip que tanto abunda; para repartir mandobles, no hace falta gastar presupuesto en maestros de esgrima...