24 por segundo

Cinéfila en crisis

2011-10-18T21:31:00.000+02:00

Por un lado, blogueo de higos a brevas. Por ahí vamos mal.

Por otro, veo más series que películas, últimamente. Dicen que la mejor ficción se hace en las series, y en algunos casos doy fe; de hecho, creo que voy a ampliar la temática del blog e incluir series, a ver qué tal.

En tercer lugar, muchas veces las películas no me hacen disfrutar. Veo una peli en la tele, y le encuentro más defectos que virtudes; hay excepciones, y podría hablar de ellas, y retomar el blog, porque me da vergüenza, también tengo que decirlo; al fin y al cabo, tengo una categoría de truños, tendré que aprovecharla. Pero que haya tanto truño y tan pocas pelis buenas me da mucho por saco, en plan vieja que se queja de los nuevos tiempos. Me gusta hacer crítica positiva, no cagarme en los muertos de buda con cada celuloide impresionado que circula por el mundo.

La huérfana

2011-01-19T21:49:00.002+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Típica película de niña taciturna y más macabra que el copón y que, como mínimo, es deudora de La profecía, aunque salvando las distancias...

Una pareja que acaba de perder un bebé adopta a una niña de 9 años, Esther, que es rarita como ella sola; en seguida empieza a haber accidentes en los que está involucrada la niña, y la madre empieza a sospechar, indagando en el orfanato de donde viene.

Típicamente, todo es rarísimo, nadie sabe nada de su origen y los que preguntan desaparecen. Llegados a este punto, y dado que la niña es rusa, yo sospeché que dirían que nació en un orfanato de la antigua URSS, donde el fantasma de Rasputín la poseyó nada más nacer, pero la endebilidad del guión tiene el mérito de no recurrir a vueltas de tuerca paranormales y algún que otro Deus ex machina que termine de joder la trama, sino que se ata al típico síndrome que hace que la niña acojone, según la impresionabilidad del espectador, sin malograr la verosimilitud ni salirse del género.

Es entretenida, pero yo no sé si es que ya no tengo edad para sobresaltarme con estas pelis o que ya tengo picardía y las vueltas de tuerca del guión y los sustos propios de estas pelis me sorprenden lo justo. Pero al menos se puede ver del tirón.

Malditos bastardos

2010-11-27T01:37:00.001+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Tarantino me entretiene, pero es un director totalmente sobrevalorado. Es conocido por sus manidos flashbacks (que aquí controla) y sus bandas sonoras (que en ésta no pega ni con cola), y por ser una especie de Peckinpah con chistes: mucha violencia desmitificada con bromas más o menos macabras. Y aquí se marca una fantasía pseudohistórica en la que no deja de lado su histrión, contaminando con él los puntos fuertes que, desarrollados de otra forma, podría dar lugar a una película mejor, menos superficial.

Para un director menos figurín, los citados malditos bastardos no pasarían de ser un macguffin, una anécdota que parece que guía la historia, pero que en realidad no llevan a ninguna parte, porque la verdadera historia está en otro sitio: el detective cazajudíos y la superviviente que busca venganza, y encuentra una no exenta de cierta poesía; pero tiene que haber violencia + humor, curioso sintagma cinematográfico del megalómano éste.

Lo más destacable son las actuaciones. No todas (porque Brad Pitt no es el mejor actor del censo, si bien ha mejorado mucho desde Thelma y Louise y acierta a poner acento sureño), pero sí la del coronel Landa (hay unanimidad con el trabajo de Christoph Waltz, es un personaje escalofriante que da para mucho mucho más), Diane Kruger, que da vida a la actriz Bridget von Hammersmark (que, como los malditos bastardos que dan título a la película, debería ser un personaje mucho menos importante), Daniel Brühl, que da vida al fantasmón nazi que se dedica a fardar de sus hazañas bélicas, y el personaje que más me ha gustado, aunque pueda tener algo de ripio: Mélanie Laurent como Shosanna Dreyfus; de verdad que esta historia daba para mucho más, Tarantino, que el rollo pseudowestern con nazis que te has montado una vez más (no bastaba con el sushi western de Kill Bill, ahora quiere un chucrut western).

No es tan mala como esperaba: tiene escenas de gran tensión dramática, aunque decae a mitad de la película, porque la trama tiene sus puntos flacos, pero los fans incondicionales de Quentin Tarantino comulgarán con sus ruedas de molino y los que no le vemos todo el chiste, seguiremos pensando que tiene ese punto fantoche que su autoconcepto le impide abandonar.

Por último, resaltar lo osado de no rodar -ni mucho menos- toda la película en inglés; los alérgicos al subtítulo habrán sufrido con tanta lectura sobrevenida; los que prefieren el doblaje se perderán la otra gran baza sutil de Malditos bastardos.

Plácido, la otra cara de Qué bello es vivir

2010-11-19T19:08:00.000+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Con motivo de la muerte de Berlanga, la otra noche echaron Plácido en la 2; esta película tiene la extraña virtud de ponerme de muy mal humor, no por mala, sino por la mala baba que rezuma. Estuvo nominada al Oscar como película de habla no inglesa, pero pusieron una entrevista con Berlanga donde decía que el mayor premio fue que gente como Frank Capra hablara bien de ella.

Berlanga se inspiró en una campaña navideña, siente un pobre a su mesa (tal era su título original, pero se lo censuraron), y explota la situación de manera sangrienta: toda la burguesía sentando a pobres y ancianos a su mesa y dándoles sopas de ajo mientras ellos se ponen morados. En el fragor de esta campaña, Plácido busca al notario para pagar la letra de su motocarro, que le da de comer, porque no quiere tener trampas.

Hay cierto paralelismo entre Plácido y Qué bello es vivir: el periplo navideño de un hombre corriente. Pero George Bailey sufriría mucho en esa ciudad de provincias, no habría podido dar sus alas a Clarence porque el afán de la gente por quedar bien y guardar las apariencias se lo habría impedido, en una estampa que no envidia nada al mejor neorrealismo italiano, retratando las miserias de la vida burguesa española; mientras la peli de Capra, más entrañable cuanto más se ve, acaba con la campanita y la estrella, la de Belén sobre el motocarro y un acre sabor en la boca es el punto final de Plácido.

Y para los sentimentales, ver a José Luis López Vázquez o Manuel Aleixandre tras su deceso les hará, como mínimo, sonreír.

El acorazado Potemkin

2010-10-29T19:09:00.000+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Estamos ante la Historia del cine. Con mayúsculas. Buena parte del lenguaje cinematográfico se forjó en esta pelicula, en la que la ausencia de sonido es más una ventaja que un inconveniente.

El acorazado Potemkin nos cuenta un hecho real ocurrido en Odessa en 1905; y aunque alguno puede pensar que hay un trasfondo panfletario (la película es de 1925, cuando la revolución ya había triunfado), la historia parte de un conflicto humano: los marineros del acorazado Potemkin viven en situación precaria: sufren maltratos por parte de los altos mandos y les dan de comida podrida. Un buen día se rebelan en rechazo de sus condiciones, y la represalia de los mandos es desmedida: fusilar a los insurrectos. Pero otro marinero les hace darse cuenta de que disparan contra sus iguales, y los marineros se vuelven a rebelar, de tal manera que el que inició la pregunta resulta muerto; lo llevan a Odessa, donde encuentran las solidaridad de los locales, que ayudan al avituallamiento del barco en una jornada festiva, que sólo se interrumpe cuando llegan los cosacos matando civiles por docenas. Al final, toda la flota del zar en el Mar Negro se prepara para el combate contra el acorazado, ¿combatirán contra sus iguales?

Para Eisenstein, el cine era el arte total, en él cabían las otras seis; obviamente, hasta 1927 y la aparición del cine sonoro la música permanecería aparte, pero a partir de "Alexander Nevsky", primera banda sonora ad hoc (compuesta por Prokofiev) el cine como arte total cobraría forma. Aquí Eisenstein se deja querer y arropar por el resto de artes (dada la limitación de medios técnicos, la danza y la coreografía tienen un valor en sí mismo). Hay escenas memorables como la de la escalera de Odessa, con el carrito cayendo hacia abajo (Brian de Palma hace un homenaje curioso en Los intocables de Eliot Ness, con los marineritos subiendo por la escalera, el carrito cayendo...). Sergei M. sabe lo que se hace en todo momento, y sin entrar en valoraciones políticas, narrativamente está (bien) resuelta con imágenes, acción e intertítulos (a falta de palabra hablada), de forma ágil ye efectiva; a los formalistas rusos (Propp, Jakobson, Tomachevski) les tiene que haber conmovido hasta las lágrimas, no tanto por la historia que cuentan con cómo usan nuevos modos de expresión al servicio del arte: cosas que hoy nos parecen convenciones del género (el cañón que se eleva a punto de disparar, el propio carrito del niño bajando la escalera, y el espectador sabe que algo va a pasar, y no bueno), imágenes y escenas que tenían que vencer el silencio para darnos mucha información (los leones que parodiaba Woody en La última noche de Boris Grushenko y que parecen recordarnos que, aun dormidos, los cosacos son fieros una vez les pisas el juanete; la escalera que, además de bajar hacia el mar puede suponer un descenso a los infiernos imperiales para la población de Odessa); hoy día puede extrañar ese expresionismo casi de teatro kabuki a la hora de dejar patentes las emociones en pantalla: la desesperación, la muerte y destrucción causadas por los cosacos... todo ello llama a la emoción del espectador, aunque hoy, ahítos de efectos especiales y nuevos lenguajes cinematográficos no sepamos ya leer los albores de este arte que más bien funciona como negocio o entretenimiento hoy día.

Sobre la banda sonora, es, en efecto, de Prokofiev, aunque se añadió más tarde, y contribuye a darle dramatismo a los hechos; no he intentado verla en versión muda, el montaje final de imagen y sonido es lo bastante poderoso.

De verdad, recomiendo El Acorazado Potemkin: yo empecé viéndola con esa pátina de cinismo que nos caracteriza una vez caído el muro, pero una vez metida en harina, ni intertítulos ni expresionismo ni arte kabuki: el espectador, a poco que tenga algo de sangre en sus venas logrará interesarse y disfrutar esta obra que es un clásico del cine, y anteayer pudo por fin ver por qué.

La duquesa

2010-10-26T02:50:00.002+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Si algo está haciendo mi carrera (filología hispánica) por mí, es permitirme ver matices tanto en la literatura como en el cine. No sé si es bueno o malo, o me estoy volviendo una suspicaz y una malpensada. Ahora veréis por qué lo digo.

La historia nos cuenta la historia de Giorgiana Spencer, duquesa de Devonshire, que tuvo un matrimonio desgraciado y fue muy apasionada en lo político y en lo amoroso. Esta buena señora, que cierto es que merecía una película por sí misma (mujer sufragista un siglo antes de que el movimiento floreciera, partidaria del sufragio universal frente al censitario en los albores de la revolución francesa), en realidad es vehículo para hablar de Lady Di sin mencionarla.

La duquesa de marras es, en efecto, tatarabuela de la difunta ex de Carlos de Inglaterra. Con un formato y una fotografía típicos de película de época nos cuentan sus tribulaciones con un marido salvaje que sólo piensa en el heredero a la hora de tener hijos y en su propio placer, haciendo que Georgiana te caiga bien; cierto que Keira Knightley ayuda bastante con su buen hacer y su exacerbada fotogenia, pero por dentro te queda el runrún de la suspicacia, a poco que conozcas la historia de la familia real inglesa de los últimos lustros.

Dicho esto, está bien escrita, Ralph Fiennes hace de cabrón con mucho oficio (¿nunca le han dado papel de bueno a este hombre?), y logras empatizar con la duquesa. Pero el fantasma de Diana planea por toda la cinta. De verdad, no creo que sea aleatorio que elijan a una antepasada suya con una suerte marital tan parecida...

Presentismo I: Master and commander

2010-10-04T18:15:00.000+02:00

Aunque tengo todas las categorías patas arriba y no termino de arreglarlas, inicio hoy una nueva: gazapos, principalmente para aquellas pifias presentistas que se cometen en las películas supuestamente históricas, o de ambientación en tiempos pretéritos.

La de hoy es Master and Commander, de Peter Weir: una de marineritos. Supuestamente se ambienta en las guerras napoleónicas, e Inglaterra y Francia eran esos enemigos acérrimos que se enfrentaban en Trafalgar, porque los españoles tampoco caían bien a ninguno de los dos.

Si pasamos por alto los barruntos darwinistas del doctor a bordo unos 50 años antes del viaje del Beagle, lo que más me ha chirriado es el encuentro con el barco francés: ¿qué es eso de que les hablen en inglés? A principios del XIX el francés era la lengua diplomática, por lo que tendría que haber sido el inglés quien plegara la cerviz lingüística y chapurreara la lengua gala. Aunque no me imagino yo al Crowe juntando el morrito para hablar a la francesa...

La verdad, lo que más me gusta de esta peli es la musiquita de Boccherini que ponen al final; el resto me parece un tanto fallido, lento y deslavazado.

Los mundos de Coraline

2010-09-14T04:00:00.003+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Me leí la novelilla hace unos cuantos años, y tenía tremendas ganas de ver la película, estupenda adaptación y estupenda película de animación, aunque no sé si exactamente infantil; como Miyazaki en El castillo ambulante, muestra una de mis fantasías infantiles de un universo detrás de una puerta aparentemente inocua.

Coraline Jones se muda con sus padres de Michigan a Oregón, instalándose en un edificio histórico (150 años) donde ella es la única niña, y no cuenta demasiado. Un día llega a sus manos una muñeca demasiado parecida a ella y con botones por ojos, y poco después se le abrirá una puerta pequeña que le mostrará un universo paralelo, donde sus padres alternativos tienen botones por ojos, pero le hacen muchísimo caso... desde luego, son mucho más guays que los suyos. Pronto se dará cuenta de que nada es lo que parece (y mira que se lo advierten los distintos personajes) y de que nadie da duros a pesetas.

La dirección es de Henry Selick; para quien le suene el nombre, es el director de Pesadilla antes de Navidad (aunque la gloria se la llevó Tim Burton, que era el productor), y está rodada en stop motion, lo cual es estupendo en estos tiempos de animación 3D por ordenador.

Se cuida mucho el aspecto cromático de la cinta: de un lado es todo apagado, colores casi grisáceos, contrastando con el universo colorista de la madre alternativa; pero esto no está limitado a una simple oposición: cuando la magia de la madre pierde su fuerza, todo se torna blanco y negro, arenoso. Este paralelismo cromático no es el único entre ambos mundos: en ambos tiene ayudas de los estrambóticos vecinos o del gato, aunque no en ambos se expresen igualmente; y el aparente fin de Coraline o de la malvada bruja se sella con un eclipse, real o figurado.

La película -el libro- tiene fuentes fácilmente sondeables. La primera es Alicia, con referencias manifiestas como la puerta pequeña que atraviesa siguiendo a un roedor (conejo, ratón ¿qué más da?), llegando a un universo parecido al suyo pero no igual; en ambas, la heroína, una niña prepúber, se encuentra con un gato que habla, y desaparece con mayor o menor destreza. La otra es, sin duda, Hansel y Gretel: los niños atraídos por una casa de caramelo, regentada por una bruja de cuidado; como aggiornamento, resulta ser bastante eficaz. Pero son deliciosos esos toques un tanto fin-de-siécle, con el homo circensis y las hermanas de opereta que viven en el sótano con sus mil perros vivos o muertos; atención a la escena que evoca la noche estrellada de Van Gogh.

En el patético panorama cinematográfico actual tenemos que mirar a la animación como la gran esperanza a la hora de esperar películas que entretengan y atrapen al espectador sin subestimarlo. Ojalá fuera contagioso.

PD Detesto la traducción del título, ya sé que soy tiquismiquis, pero el nombre de la protagonista tiene toda la fuerza.

ET el extraterrestre

2010-09-07T22:15:00.003+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Tengo un especial cariño a esta peli, y en parte constituye mi primera experiencia cinéfila; llegué a verla 3 ó 4 veces en el cine (cuando alguien me llevaba, en sesiones matinales, cuando esas cosas existían fuera del circuito porno). Supongo que tenía parte de las papeletas para gustarme: tema fantástico, tenía una edad próxima a los protagonistas... Más tarde la vi ochenta veces, y aún hoy me inspira especial ternura cuando la veo.

Un extraterrestre que está de visita para recoger muestras vegetales se queda extasiado viendo las luces de la ciudad; a la llegada de equipos que han percibido la señal extraterrestre la nave parte y el alien se queda solo; llega hasta un barrio residencial donde topa con Elliot, un niño muy solo, hijo de padres divorciados, con el que traba una férrea amistad; él le ayudará a crear el comunicador para que vengan a buscarle, siempre intentando que las autoridades no se aperciban de su presencia.

Uno de los puntos fuertes de esta película es la estupenda dirección de actores, especialmente los infantiles, trabajo que a Spielberg se le da especialmente bien.

El tema de los extraterrestres tiene fascinaíto a Spielberg; esta peli entronca, de alguna manera, con Encuentros en la tercera fase (hasta el bicho se parece), donde un tío común y corriente entra en contacto con ellos; salvo en La guerra de los mundos, tienen cierto antropomorfismo y hasta cierto punto hablan de la comunicación intercultural (manifiesto en Encuentros... y la representación manual de las notas musicales como signo lingüístico, un acto muy estructuralista, máxime si consideramos que es el francés Truffaut quien se comunica con el alien en la tierra); incluso La guerra de los mundos habla de una agresión gratuita de una civilización a otra, algo perfectamente terrestre y humano, mal que nos pese.

Sin embargo, ET es de esas pelis que ahora se llaman familiares, y no hace ascos al humor, con dosis de emoción y efectos especiales que levantaron la industria de la bicicleta tan alto como Elliot volando en una. La única pega que le pongo es al montaje del vigésimo aniversario: en la escena en que la pandilla echa a volar ya no les apuntan con un rifle, diegéticamente no queda tan bien como una mano que impele a entregarse, aunque supongo que los tiempos han cambiado desde 1982...

Copying Beethoven

2010-09-05T20:10:00.001+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Siempre que escucho a Beethoven me viene a la memoria este despropósito en celuloide; lo cual es una pena, porque Beethoven es la caña y esta peli es un insulto, como mínimo, a la inteligencia del espectador. Aunque dramáticamente está bien construida (una eficiente música contratada para transcribir la obra del genial Ludwig van), es contraria a un principio dramático ya establecido por Aristóteles: la verosimilitud.

Ya lo he dicho alguna vez: la corrección política es incompatible con la verosimilitud. El maldito presentismo tan frecuente en las salas y pantallas hace de una premisa un error, y esta película no es una excepción; por supuesto, podemos juzgar que es tremendamente injusto que pocas mujeres hayan destacado en la historia de la música (a mí no se me ocurre ninguna), pero ello se debe a que las mujeres solían tener menos acceso al estudio en general, de la música no digamos. Así, de entrada supone que la copista es una mujer ya supone una cagada de libro. Si además de ser copista la pones a dirigir bajo cuerda una orquesta que hasta bien entrado el siglo XX fue reacio a admitir mujeres, la chorrada ya no tiene paliativos; eso, sin considerar otros errores históricos (Beethoven ya llevaba 10 años sin dirigir, por ejemplo).

Pero claro, lo importante es que sepamos que las mujeres podemos dirigir orquestas y componer música. Pero han de saber que las mujeres también podemos hacer crítica de una peli y pensar que la ideología no es más importante que la verdad.

En descargo de la película, decir que la música, claro está, es colosal; también lo es la interpretación de Ed Harris, bonita novedad. Pero no vale la pena perder el tiempo, Ed Harris tiene mucha más carrera...

Sobre el remake de Millennium I

2010-08-27T23:23:00.001+02:00

Pues sí, en el país de las barras y las estrellas están preparando el proyecto de trasladar la trilogía (o por lo menos la primera peli) de Millennium, ya existente en sueco, a su territorio y lengua, porque los subtítulos y doblajes son ajenos a su naturaleza. Si aquí les gusta poco leer subtítulos, allí menos.

Pero ves el reparto que barajan, y se te caen los palos del sombrajo: como Blomkvist quieren poner a Daniel Craig; después de esta premisa, todo suena a error; no porque Craig esté mal; de hecho, como Bond me da mucho más morbo que Pierce Brosnan; tiene tablas y tiene nombre. Pero, con perdón, el papel de Blomkvist es totalmente secundario, dado que el personaje con más fuerza, y que viva por muchos años, es el de Lisbeth Salander. Por tanto, si coges alguien tan conocido y con tanta fuerza como Craig, te las vas a ver y te las vas a desear (espero equivocarme) para encontrar una Lisbeth a la altura. O la encuentras o te cargas la serie, que es otra posibilidad...

Según se puede ver en imdb, la elegida es Rooney Mara. Una monada; si habéis visto el remake de Pesadilla en Elm Street, es la que repite la escena de la bañera y el guante que sale del agua. No quiero dudar del talento de nadie, pero Noomi Rapace, sin dejar de destilar encanto, hace una Lisbeth sobresaliente, por lo que la chica tiene un doble desafío: un personaje que es todo un reto en sí mismo y una interpretación cercana en el tiempo; si destaca, puede suponer un espaldarazo descomunal a su carrera.

Personalmente, odio los remakes; en primer lugar, por innecesarios, sobre todo si hay 2 años de distancia entre una película y otra; en segundo lugar, porque dan buena muestra de la inanidad de las ideas de Hollywood, que tienen que cogerlas de otro lado para hacer caja; en tercer lugar, porque nos vuelven a endilgar la misma historia que ya hemos visto como si fuera un café percolado 3 veces, pero al mismo precio (si no mayor) que la primera.

Gran Torino

2010-08-20T00:40:00.003+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Que sepáis que si no englobo este peliculón en westerns es por motivos más estéticos que dramáticos, que si en vez de Michigan hoy día la situamos en Arizona 1890, tan contentos nos quedaríamos, porque el planteamiento es western total.

Walt Kowalski es un viudo gruñón que ve cómo su barrio se llena de inmigrantes de todo caletre, lo cual no le encanta precisamente.

Su vecino, un adolescente tailandés, a instancias de una banda, intenta robarle su gran torino, lo que le impide con todo éxito; la banda intenta castigar al chico por su fracaso, pero Walt lo salva, lo que le vale el agradecimiento de la familia, que le obliga a prestarle servicio por su intento de robo durante unos días. Se forja una amistad entre el joven tailandés y el viejo gruñón.

Nuestro hombre tiene un pecado que expiar relacionado con la guerra de Corea; en ese sentido, me gusta mucho la escena de la confesión y lo que ocurre después, mucho más próximo a una expiación y lo que hace un hombre para perdonarse.

Imprescindible, como todo Clint.

Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres

2010-08-03T23:06:00.004+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Empecé a verla y no consiguió atraparme, pero ayer empecé donde la había dejado, y si algo me picó fue saber cómo se vengaba Lisbeth Salander del hijoputa de su condicional; por cierto, no defrauda. Sobre esto, y a partir de la investigación de un periodista al que hackea, se pone a investigar la desaparición de una joven de 16 años, dándole la pista sobre unos nombres y unos números del diario de la desaparecida. Tirando del hilo, llegamos a la verdad de lo ocurrido.

La vuelta de tuerca del final (en el caso de los hombres que no amaban a las mujeres) es interesante, así como la construcción del caso, pero lo mejor es el personaje de Lisbeth Salander. No me ha enganchado tanto como para leerme los libros (tengo mucha lectura atrasada), pero a ver si echan en la tele la 2...

Star Trek

2010-07-31T01:50:00.004+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Antes de nada, decir que yo no soy trekkie (o habría hablado de esta peli hace rato); de hecho, más allá de Spock, no tenía mucha idea de ese universo. Este film, ferozmente denostado por los forofos de la serie, tiene una ventaja para los legos: sirve de introducción a los personajes. Y el mejor sigue siendo Spock. Te presenta la relación entre éste y el capitán Kirk como habría sido en un universo paralelo, con sus respectivos pasados alterados. Interesante e irónica, aunque abre algunos hilos dudosos, estén bien atados. Es muy entretenida.

Lo mejor: La aparición de Leonard Nimoy.
Lo peor: Tan imbuida de Star Wars y sus F/X, que confiaron en un experto: la Industrial Light & magic, de Lucas.

Antes que el diablo sepa que has muerto

2010-07-26T23:52:00.007+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Una vez superado el estrés motivado por el queísmo mayúsculo en el título, sólo queda decir qué gran película. La premisa es una cabronada: un hombre convence a su hermano para atracar la joyería de sus padres. Por supuesto, nada saldrá bien y sus sueños de grandeza y liquidez económica nunca verán la luz. Decía Tolstoi que todas las familias felices se parecen entre sí; las infelices son desgraciadas en su propia manera.

Gran trabajo actoral, destacando, como es de esperar en él, Philip Seymour Hoffman, tan creíble como siempre, como el hijo que urde todo, y Albert Finney, como el padre; en efecto, las relaciones son más importantes que la codicia pura y dura. También tiene saltos de tiempo, desde distintas perspectivas, para que te hagas una imagen de conjunto. Así que, si no te arredran los errores gramaticales (el título, en buen español, sería Antes de que el diablo sepa que has muerto), es muy recomendable.

Gamer

2010-07-17T23:04:00.002+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

En los años 80, el hoy gobernador Chuachenéguer hizo una película que tuvo su hora de gloria, cuando menos en los videoclubs: Perseguido; se trataba de una especie de reality show donde unos convictos debían ganarse su libertad luchando contra personajes de la cadena que lo impedían por el expeditivo procedimiento de matarlos; todo era un tongazo que Chuache, acusado injustamente, desvelaba eliminando, de paso, a los matones de la cadena. ¿Escalofriante? Más espeluznante es pensar que existe una nueva versión, que aquí os traigo.

El mundo se divide en jugadores y sujetos gobernados por el videojuego a través de Nanex, que implanta unas partículas en el cerebro de los ciudadanos para que puedan ser controlados por ordenador; hay un juego de relaciones sociales, más parecido a Second Life que a los Sims, aunque con una vuelta de tuerca tan morbosa como gilipollas (el que hizo la peli no paró en mientes de cómo es la gente que juega a estas cosas: no sólo se busca sexo, también estatus, prestigio y otros intangibles). El otro juego se llama Slayers: se plantean situaciones bélicas en las que están involucrados presidiarios reales.

Kable (Gerald Butler) es un preso que está en el juego y al que le quedan 3 partidas para ser libre; pero el sistema está dispuesto a cargárselo por todos los medios posibles, ya que tiene información sobre el creador del juego que a éste no conviene que se sepa, mientras que él está loco por recuperar su vida. Para colmo, una organización, Humanz, busca liberar al ser humano de la esclavitud del videojuego.

La estética debe mucho a Matrix y al mundo del videoclip; la trama, aparte de la citada peli de Chuache, evoca en versión cutre salchichera a Pinocho (el muñeco que quiere soltarse de los hilos del juego). Tiene ritmo y se deja ver, pero seguro que en vuestra colección las tenéis mejores.

Usted siempre será el teniente Dan

2010-07-14T22:16:00.006+02:00

Forrest Gump pronuncia las palabras del título, y suenan a maldición gitana en la carrera de Gary Sinise: da igual lo que haga, la gente -al menos, los que hemos visto la única película destacable de Robert Zemeckis, al que aborrezco con toda mi cinefilia- dirá al verle: ¡el teniente Dan!

Pero es que, en otro orden de cosas, yo no lo he visto nunca trabajar tan bien como en Forrest Gump; no porque sea mal actor, sino porque la mayoría de papeles se le quedan en la superficie.

El teniente Dan era demasiado intenso en su dolor, en su insatisfacción vital y en su reencuentrao consigo mismo; el resto de papeles son cabrones ambiciosos (como en Ransom), frustrados científicos sin sarampión o jefes de un CSI.

Supongo que se da con un canto en los dientes por tener papeles y que la gente lo reconozca, con que éste sea su papel más sonado y por el que recuerdan; pero el teniente Dan, el mismísimo teniente Dan hubiera querido mucho más que sólo eso...

Sucedió una noche

2010-07-11T12:25:00.006+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

El bueno de Capra no defrauda: de rebote me puse a ver esta joyita anoche, y no pude despegarme. Una gran comedia de asunto romántico (porque decir comedia romántica me da urticaria).

Ellie Andrews (Claudette Colbert) es una rica mimada que huye de su compromiso en Miami; topa con el periodista Peter Warne (Clark Gable, termendo en esta cinta), que la lleva hasta Nueva York a cambio de que le cuente su historia para su periódico. Ambos, así como su relación, cambiarán por el camino.

Me gustan especialmente las elipsis (ay, la censura), que demuestran que un buen guión valen por toda la carne del mundo, con las referencias, en este caso bíblicas; llena de humor y grandes interpretaciones. Capra es un valor seguro.

Escondidos en Brujas

2010-07-10T00:41:00.009+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Qué agradable sorpresa. Lo que yo suponía un pestiño insufrible es, en realidad, una agradable comedia negra.

Dos sicarios se refugian en Brujas (Bélgica) tras el primer golpe, con efectos colaterales, de uno de ellos, que tiene un grave complejo de culpa; su compañero recibe un encargo que pone a prueba su propia ética personal. El gran jefe acude a Brujas a solucionar lo que sus subalternos son incapaces de manejar. Todo ello, con gran ironía y humor negro y en un entorno envidiable.

Esta película tiene dos aspectos entrelazados que la hacen interesante:

la trama propiamente dicha;
la sana ironía sobre las convenciones del género, rozando en ocasiones el surrealismo.

Para colmo, me ha servido para reconciliarme con Colin Farrell, a quien cogí gran manía desde que le vi rubio platino con cejotas negras en Alexandros.

Venganza

2010-06-02T01:32:00.008+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Debería abrir una categoría para truños y la inauguraría con esta fantasmada de thriller que acabo de ver en la tele; desde luego, puede decirse que entre el Zeus de Duelo de titanes y ésta, Liam Neeson está en sus horas más bajas. Aquí interpreta a un exagente de la CIA cuya hija, de viaje por París, es secuestrada e introducida al mercado de trata de blancas, y él hace lo imposible por rescatarla.

No es la mejor película del mundo, los malos son previsibles y al bueno sólo le falta el arito encima de la cabeza, como los santos de las iglesias, aunque vaya por París partiendo belfos sin encomendarse a Dios ni a Satán... Tiene cierto interés según va siguiendo la pista de la nena, pero según avanza, aumentan los tiros y la fantasmada. Para ver si no tienes nada mejor que hacer, pero se puede pasar sin ella...

Juliette Binoche, palma de oro en Cannes

2010-05-23T21:37:00.007+02:00

Si no lo sabéis, os lo digo yo: me encanta Juliette Binoche. No soy la única, y me parecía raro que no hiciera ya casi pelis. Pensaba que se dedicaba al teatro, o qué. Pero un paseo por el imdb me ha sacado de mi error: trabaja, y mucho. Pero en España no estrenan sus películas.

JB es ella solita el cartel de Cannes 2010.

Copie conforme, del iraní Abbas Kiarostami, competía en Cannes; al parecer es un tête-a-tête con el personaje de William Shimmel, barítono hasta la fecha. Juliette se ha hecho con la palma de oro a la mejor actriz. No me sorprende, porque siempre escoge papeles y películas desafiantes, no el típico entretenimiento de sábado por la tarde. A ver si hay suerte y ésta la estrenan aquí...

Ponyo

2010-05-14T01:20:00.008+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Ya sabéis que me encanta el cine de Miyazaki (por cierto, han reestrenado Nausicaa, será cosa de verla) desde que, extática, pude disfrutar de El viaje de Chihiro en una insólita tarde cinéfila en los Renoir de plaza de España. Sin embargo, por algún motivo que no alcanzo, no vi la que hoy tratamos en el cine; la acabo de ver en la tele (en fin...), doblada por no haber subtítulos en castellano (snif, aunque he visto doblajes peores), y debo admitir que la he disfrutado... como era de esperar.

Miyazaki nos cuenta la historia de la sirenita, pero a su manera; olvidaos de Disney y casi de Andersen.

El príncipe es un niño japonés que vive en una ciudad costera, su madre trabaja en una residencia de ancianos y su padre es marinero; una criatura marina (a la que en tierra llaman Ponyo) se fija en él, se hacen amigos -o más que amigos, en eso no traiciona el original-, y ella decide quedarse con él. El resto es lo que varía.

En primer lugar, está el hecho de la tremenda niponidad de la película. Eso, está claro, no la hace menos auténtica: le da un valor añadido. Por otro lado, los recursos narrativos de los que se vale, con un padre que no es el Poseidón de manual que tantas veces hemos visto, más bien aglutina la bruja y el padre en el mismo personaje. El otro aspecto innovador es el príncipe Sosuke, un niño de guardería que se encuentra con este pez que se convierte en una niña de su edad.

Típicamente, no falta el elemento mágico propio de la factoría Miyazaki. El mundo con una vuelta de tuerca, cómo podría ser si lleváramos esta ficción hasta sus últimas consecuencias. Una película, en suma, hermosa, cuya banda sonora hace un recorrido musical por el siglo XIX, desde el primer Beethoven hasta Wagner y los nacionalismos decimonónicos. Si podéis, no os la perdáis...

¿Por qué ha triunfado Tom Cruise?

2010-04-13T00:16:00.008+02:00

Si alguna razón hay para creer en los poderes ultraterrenos, ésa es el hecho de que Tom Cruise haya tenido éxito como actor. En 1983 era un callito -cosa que mejoró con una ortodoncia que le ha arreglado la cara, todo hay que decirlo-, pero sus dotes actorales no han mejorado un ápice desde entonces.

¿Qué es, entonces? ¿Que la cienciología convierte en oro todo lo que toca? ¿Que escoge papeles que no requieren grandes dotes dramáticas? ¿O que se pasó a la producción en cuanto pudo?

Esto es lo que me pregunto cuando veo alguna peli suya; porque, salvo cuando lo dirige Spielberg en Minority Report (que le saca un poco de lustre al inexpresivo Cruise), en Tropic Thunder, donde sale disfrazado de su yo productor, o en Magnolia (que, no os engañéis, es probablemente el mejor papel de su carrera), en general es para tirarle piedras. Me pone especialmente de los nervios en Jerry Maguire, donde no es que no tenga sangre en las venas, es que ni plasma le corre por el sistema circulatorio. Pero las cosas no se valoran de la misma forma en Hollywood que en Sant Cugat del Vallès...

El escritor

2010-03-28T12:38:00.008+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

En buena lid, la película en español tendría que llamarse El negro, que es como se conoce a los que escriben libros que llevarán el nombre de otro; pero, la verdad, apela a muchas connotaciones y han preferido dejarlo como El escritor.

Al ver el trailer de la tele, quise verla. Polanski quiere decir dos cosas: sacad a las niñas del cuarto y buen cine, y con esta última acepción nos quedamos en este blog. También influye que sale Ewan McGregor, al que tengo especial ternura desde que vi Trainspotting hace unos doce años, y al que había perdido la pista entre ángeles, demonios y opúsculos menores en los que había trabajado.

MacGregor es aquí un escritor de biografías de personajillos sin mucha relevancia al que contrata una gran editorial para escribir las memorias del ex-primer ministro Adam Lang (Pierce Brosnan); el personaje está inspiradísimo en Tony Blair, al que dan muchísima caña. El predecesor había muerto en extrañas circunstancias, que aún no saben si ha sido accidente o suicidio. Nuestro fantasma sin nombre se va metiendo en una madeja -metiéndote a ti de paso- porque, típicamente, no se limita a hacer el trabajo que el autor oficial de las memorias quiere que haga.

Además de la intriga atenazante -durante los últimos tres cuartos de hora la cocacola que había comprado en el bar me estuvo recordando su permanencia en mi vejiga, y no me levanté porque no quería perder ripio-, tiene golpes de humor y buenas actuaciones. Los 130 minutos que dura (2 horas y 10) están llenos de cine, nada le sobra.

Red de mentiras

2010-03-23T19:47:00.007+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Puede que Ridley Scott no esté en su mejor momento artístico, pero esta película de espías es, cuando menos, interesante: enfrenta dos tipos de inteligencia (que aquí es espionaje) y muestra el descreimiento del personaje de Di Caprio (Scorsese tiene razón en tenerle de actor fetiche) no por su trabajo, sino por las implicaciones que tiene.

Cines que cierran

2010-03-18T18:19:00.004+01:00

Un día que estaba en Madrid, vi que habían convertido el cine Imperial (aquél en sesión continua en el que vi las de Disney y ET) en una tienda de ropa; pero no sólo ése: casi todos los cines de la Gran Vía han pasado a mejor vida; y al menos algunos los han convertido en teatros (vale, de musicales), pero ese paraíso de mi niñez donde íbamos al cine como la promesa de un mundo mejor se ha difuminado, y ahora es un enorme centro comercial por el que pasan coches.

En Barcelona no está la cosa mucho mejor: salvo el Coliseum, muchas salas se convierten en multisalas o desaparecen: como dicen en Cinema Paradiso, el video. Y luego el DVD, el home cinema, las películas que se bajan de internet. Todo muy moderno.

Pero en casa no puedes reproducir esa emoción de cuando apagan la luz, se enciende la pantalla, salen los números (ya no salen números, vale) y empieza la función. Aunque hoy ver películas es una actividad cotidiana, ir al cine es asomarse a la magia que una vez soñaron los hermanos Lumière y patentó el vivo de Thomas Edison.

Paradójica Sandra Bullock

2010-03-09T02:40:00.005+01:00

En mi opinión, Sandra Bullock es una actriz totalmente anodina; no es especialmente expresiva ni escoge sus papeles con demasiado acierto. Pero este fin de semana se ha ganado todos mis respetos: ¿Cómo es posible que una persona gane en el mismo fin de semana un Razzie (o antioscar) y un Oscar en condiciones? Ella ha podido. Más que su amplitud de registros interpretativos, hay que aplaudir la amplitud de respuestas del público. Todo un personaje.

Slumdog millionaire

2010-03-07T00:52:00.006+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Ya sé que no es un estreno de última hora, pero la hemos visto esta noche y hemos flipado, con el estómago encogido por la tensión.

Si rascas un poco, ves las referencias culturales: además del concurso quién quiere ser millonario, franquicia exportada por todo el mundo, y del explícito guiño a Los tres mosqueteros, hay dos referentes bastante explícitos: Dickens (concretamente Fajin, el explotador de pequeños ladrones de Oliver Twist) y el mito de Orfeo, donde el mitológico músico intenta rescatar a su amada del infierno (tal es la ópera que se representa en Adra, por lo que un poco explícita sí es la referencia).

Pero está brillantemente narrado a lo largo de las preguntas del concurso: te exponen la pregunta y Jamal te cuenta por qué la sabe, normalmente por algo relacionado con algún aspecto de su sórdida vida. Incluso hace referencia al principio de verosimilitud que tanto reivindicaba Aristóteles (qué pesada me estoy volviendo desde que estudio filología, jaja).

Es una película hermosa, aunque sórdida, que te deja buen sabor de boca. O, en román paladino, por qué habré tardado tanto en verla.

La cinta blanca

2010-02-15T12:42:00.006+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Que me aspen si La cinta blanca habla del nazismo, como dicen tantas sesudas críticas que pululan por internet: la acción se ubica en 1913, cuando es impensable hablar de nazismo, pues ni el Tratado de Versalles ha humillado a Alemania, ni el crack del 29 le ha puesto la puntilla. Pero ya se sabe que una película que transcurra en Alemania en el siglo XX, y más si hay una guerra por medio, está relacionada con el nazismo, como si el mundo entero hubiera sido un remanso de paz hasta 1933 ó 1939.

En realidad, nos hablan de violencia inexplicable y gratuita. ¿Cuál es el verdadero origen de la violencia contra el prójimo? ¿El rencor? ¿La venganza? ¿El Antiguo Régimen y sus consecuencias (que en Europa empiezan a difuminarse con la guerra del 14)? ¿El tedio? Hay tantas respuestas a esta pregunta como espectadores puede tener esta película. Pero a todos nos gusta ver en el nazismo la cristalización del mal, como si con ello pudiéramos eximirnos de cuantas cabronadas podamos infligir al prójimo.

Al margen del trasfondo filosófico de esta película, a mi entender, deudor del Thomas Mann de La montaña mágica, aunque más ligero en las formas, tenemos una película morosa de los detalles, contenida en un universo opresivo que a algunos podrá evocarles a Bergman, aunque muestre un universo próximo a Los santos inocentes, por rara que pueda sonar la similitud entre Brandenburgo en los diez y la Extremadura profunda en los sesenta. Nada sobra en esta película de dos horas y media (que se pasan volando) y, para el espectador atento, nada falta: entre otras cosas, en ocasiones la imaginación puede ser más violenta que la imagen más sangrante; y esto, en buena parte, es lo que quiere decirnos Michael Haneke.

La carretera

2010-02-13T01:14:00.006+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Tras un parón de casi un mes -un mes sin ir al cine, de hecho- por motivos académicos, hoy hemos vuelto a meternos en uno a ver La carretera, película apocalíptica que, sin embargo, deja el buen sabor de boca que sólo te deja el buen cine.

Basada en la novela homónima de Cormac McCarthy, nos cuenta la historia de un hombre y su hijo (estupendo Viggo Mortensen y un hallazgo Kodi Smit-McPhee) que intentan sobrevivir tras una hecatombe global, en un mundo que hace un chiste de la frase de Plauto "el hombre es un lobo para el hombre".

Lo peor que se puede decir de esta película es que te oprime el alma al mostrarte los avatares de padre e hijo en un mundo donde el canibalismo es una práctica extendida de subsistencia, que si estás depre, no es tu película. Ahí se acaba en realidad lo negativo; lo positivo es, aparte de las interpretaciones de Viggo y Kodi, el resto de actores, la fotografía de Aguirresarobe (todo es gris, aunque se distingan algunos colores), el guión, el suspense constante que te agarrota el estómago; que no sepas que está pasando como tampoco ellos lo saben, y descubras el horror a la vez que ellos. Lo que más me gusta (aunque suene cursilón destacarlo en una peli sin la menor sensiblería) es esa asociación de humanidad con fuego interior, al fin y al cabo, los hombres, frente a las bestias, son los únicos que pueden hacer fuego.

Es de esas pelis que te dejan pensando durante mucho tiempo, aunque hables de otra cosa o digas alguna chorrada por romper la tensión en que te deja; de hecho, es al escribir esta entrada cuando he encajado el final en el conjunto de la obra; en los próximos días probablemente se me ocurran cosas que harían que este post se escribiera de otra forma, pero seguramente en todos los casos terminaría la entrada así: id a verla.

Celda 211

2010-01-17T22:38:00.006+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Acabamos de venir del cine, y lo hacemos epatados: con películas así, no da pena pagar lo que cuesta el cine en Barcelona. Te quedas con ganas de más. Una peli redonda, con un guión muy bien hilado y unos intérpretes (especialmente, ya lo habréis leído, Luis Tosar) a la altura.

El funcionario de prisiones en ciernes Juan Oliver (Alberto Ammann) va a su lugar de trabajo el día antes de empezar a trabajar; resulta herido y sus futuros compañeros lo guarecen en la celda 211 (vacía tras un trágico suicidio que no nos ahorran), dentro del pabellón de presos más peligrosos; cuando despierta, la cárcel está sumida en un motín; el funcionario tendrá que apañárselas para sobrevivir...

Lo más fastidioso de esta peli es su tremenda verosimilitud; si lo viéramos en las noticias, tampoco nos chocaría tanto. No exenta de humor, demuestra que hay cine español que no vive de espaldas al espectador (no estábamos solos en el cine) y que no supedita la calidad a factores ajenos al propio cine. Probablemente los Goyas se repartan (con justicia) entre ésta y Ágora.

Cataluña y su ley del cine

2010-01-13T10:51:00.006+01:00

En este blog somos partidarios de la versión original por sistema. Aparte de que me parece más auténtico, mejoras el oído para otras lenguas, lo que en este país no está de más. Pero los debates sobre la exhibición se suelen ceñir a "En castellano / catalán". Esa rémora del franquismo que es el doblaje (para que pudieran controlar lo que dicen los personajes, puro control social y censura a saco) sigue siendo debate político. Así, ahora en Cataluña quieren que el 50% de las pelis se doblen al catalán. Al margen de las objeciones económicas (las distribuidoras y productoras tienen que estar flipándolo), es comprensible que alguien habituado al doblaje y que en su casa hable catalán quiera ver las pelis en su lengua.

Ésta sería una ocasión estupenda para instalar la versión original, sin embargo: siempre se pueden alegar motivos económicos o lo que sea -toda ley tiene su trampa- de manera que se subtitulen las pelis y nada más. Pero es que al hilo de esto hay alguna propuesta delirante: ¡pelis subtituladas en dos idiomas a la vez! En media pantalla subtítulos en catalán, y en la otra media en castellano. ¿Tan escasos andamos de salas? Mira que sólo caben 30 caracteres por línea, y si la dividimos caben menos.

Su, deja de soñar: la gente no va al cine a leer letreros, o tal dicen los que odian la VO. Pero cabe preguntarse la aplicabilidad de la ley lingüística del cine y qué tan económica resulta. Mientras van a hacer que ir al cine sea un coñazo, cuando no una comedia en sí misma.

Amarcord y su huella

2010-01-10T13:53:00.003+01:00

Ahora mismo están echando Amarcord en el TCM. Aparte del valor intrínseco de la obra de Fellini, es indiscutible la huella que deja en otras pelis de las que ya hablé más o menos tangencialmente en un pasado muy muy lejano:

Cinema Paradiso: los tipos humanos son similares; algunas escenas de la peli de Tornatore son un guiño directo a Fellini: los onanistas del coche, recreados en la fila de los mancos del nuevo cine Paraíso (aunque aquí todos piensen en la misma, Brigitte Bardot).

Un verano en la Goulette: en su día también explicaba que la escena en la que todos los tunecinos van a ver a Claudia Cardinale me recuerda a la escena en la que todos los del pueblo van a ver el barco del régimen fascista como el recuerdo de una vida mejor.

Amanece, que no es poco: también comparten el toque costumbrista y delirante (en el mejor sentido), así como la expresión de la acción en perlas sin aparente hilación; ambas, además, terminan con la despedida de un personaje del pueblo (Fermín y la Gradisca). Lo redondo de ambas películas da que pensar que tanto Fellini como Cuerda tienen cierta cualidad poética.

El secreto de sus ojos

2010-01-07T14:52:00.009+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Tras las perlas con las que el señor Campanella nos había venido jalonando el camino, esta película supone un cambio de registro, aunque al final suponga un ejercicio de cine tan redondo como los anteriores. Basado en la novela de Eduardo Sacheri, nos cuenta la investigación sobre una violación y un asesinato brutal en Buenos Aires. También nos cuenta el curioso descenso a los infiernos de este personal de juzgado, más o menos involucrado en su trabajo, pero que se ve especialmente afectado por el caso Morales.

Debo indicar que soy una boluda catedralicia (como un templo, vaya), porque, por motivos litúrgicos, tiendo a comer palomitas en el cine, y en esa peli es un error, por dos razones:

El tormento de la chica te pilla cuando todavía comes palomitas; todavía no tengo los nervios templados como para comer algo alegre viendo escenas así;
A media peli siempre me dan ganas de ir al baño, y el suspense de la cinta se hace incompatible con esa necesidad.

Tras jubilarse, Benjamín Espósito (Darín) retoma el caso Morales pretendiendo escribir una novela al respecto, para lo que debe escarbar un poquito en el pasado; el resultado de ese escarbar -así como el proceso propiamente dicho- es lo que nos van mostrando; narrativamente, está muy currada.

Lo que más destacaría son los personajes -y los actores que los encarnan-: Isodoro Gómez (Javier Godino) nos muestra un grado de abyección no exento de cálculo, es un personaje bastante sombrío y perfectamente ejecutado; el señor Morales (Pablo Rago) personifica la desolación y la abnegación.

También es interesante la pérdida de categoría de Espósito: cuando empieza la película parece que es poco menos que el ministro de justicia, y según avanza la película, su pérdida de estatus manifiesta es reflejo de su creciente vulnerabilidad, como también van disminuyendo los golpes de humor.

Buena guinda para este pastel es la vuelta de tuerca final en el caso Morales; y aunque narrativamente redondea la película, a mí me parece un tanto forzado el final, donde se cierra el tema de la relación entre Espósito (Darín) y Menéndez Hastings (Soledad Villamil).

En general es una película bastante redonda, espero que imposible de versionar en remake alguno (tiene aspectos demasiado culturales para trasladarlos al mundo anglosajón), y es en todo punto disfrutable.

Elegy

2010-01-05T10:10:00.008+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Por lo que se ve, he decidido estrenar la semana intimista en este blog. Últimamente no es que vea muchas películas, pero sí me apetece hablar de ellas. Hoy toca ésta de Isabel Coixet, que en general me gusta mucho, y que en general rueda en inglés.

Elegy es lo que llaman un coming of age, una peli de crecimiento, donde la particularidad estriba en que el personaje que madura, David Kepesh (Ben Kingsley, bien, como siempre) ya está talludito; hasta la fecha, ha venido siendo un Peter Pan que se cree que sigue teniendo veintipocos o así, a juzgar por su comportamiento. Le acompañan por este paseo por la inmadurez crónica Carolyn (Patricia Clarkson), su amante de hace unos treinta años, tan empeñada en no avanzar como él y el poeta George O'Hearn (Dennis Hopper, me encanta el papel que hace aquí), que, desde luego, con todo su haz de imperfecciones, es el más maduro del pack.

Kepesh es un sesudo crítico que está permanentemente liado con jovencitas para no crecer, pero se encuentra con Consuela Castillo (Pe), y su vida se trastoca, aunque no sabe estar a la altura de las circunstancias. A raíz de esto, Consuela lo manda a hacer puñetas, y ya la vida va cuesta abajo, hasta que de repente la vida le empieza a acuciar con todas esas responsabilidades que lleva eludiendo durante décadas: su hijo le exige consejo y su mejor amigo, el poeta, sufre una embolia y deja de ser el que era y, en un arranque de madurez, rompe el vínculo con Carolyn. Por si fuera poco, la vida le devuelve a Consuela, aunque no como él quiere. Así, este personaje que en principio puede parecer un capullo, con el tiempo se va descubriendo y te vas apiadando de él.

Me gusta especialmente el tono general de la película, con una calidez un tanto lejana del espectador -Coixet suele hacer películas desgarradas pero te las aleja un poco, no sé si para protegerte, por lo pronto, del almíbar-; tiene una fotografía estupenda, más fría que en otras ocasiones -acaso para mostrar lo que al personaje le gustaría ser-. Pero lo que más me gusta es Dennis Hopper, aunque no sé si me gusta de forma extradiegética (esto es lo que les pasa a los beatniks cuando se hacen viejos, o algo así), o porque demuestra que puede hacer más papeles que el de rebelde (aquí es un rebelde, pero pasado por el canon literario y la enfermedad) o malote vengativo que toma represalias contra inocentes.

Como las de Coixet, no apta para ver si estás triste, aunque, como Bergman, siempre introduzca una nota ligeramente optimista al final para que no se le suicide la audiencia.

Closer

2010-01-03T14:21:00.004+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Si tuviera que aplicar un adjetivo a esta película, probablemente diría inasible o esquiva. Aunque también diría cautivadora. De hecho, me cautivó tanto, que llevo queriendo hablar de ella desde que la vi, pero me esquivaba; y aunque me haya puesto manos a la obra, dudo de que realmente haya podido captar su esencia.

Lo primero hay que señalar es el reparto, sin el que esta película no habría sido lo mismo. Y lo segundo, el guión.

Cierto que tratado de otra manera habría quedado como otra película neurótica sobre las relaciones de pareja y por qué éstas fallan (de eso va la peli, en realidad, no nos engañemos), pero la aparente lejanía del que narra (en claro contraste con el título, que viene a significar más cerca, o algo así) evita un más de lo mismo con caras guapas.

Respecto al quién se lía con quién, lo dejo al espectador, porque lo que me llama la atención de esta peli tiene más que ver con cuánto pone cada cual en una relación. ¿Hay que saberlo todo del otro? ¿O basta con quererse mucho e ignorar los detalles? ¿Nos queremos o nos necesitamos? Y cosas de este pelaje que me pregunto cada vez que la veo mientras admiro las vueltas de tuerca del guión y el talento del elenco, especialmente Clive Owen y Natalie Portman.

Appaloosa

2009-12-06T13:48:00.005+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

No soy la fan número uno del western, quizá por que se me olvida que cuentan historias fascinantes de personas en un entorno un tanto... árido.

Virgil Cole (Harris) y Everett Hitch (Mortensen) se ofrecen como alguaciles en pueblos conflictivos. Cuando llegan a Appaloosa, se encuentran con un entramado sociopolítico en el que el cacique Randall Bragg (Irons) domina todo el cotarro. La llegada de Allison French (Zellweger) terminará de remover la calma chicha en la que vivía el pueblo.

El subtexto de esta película plantea si son nuestras emociones y pasiones las que nos imposibilitan ser los mejores, o si somos mejores gracias precisamente a nuestras aparentes debilidades. Las interpretaciones son irreprochables (con ese elenco, pa chasco), pero lo mejor son, sin duda, los personajes de Harris y Mortensen...

Across the Universe vs Mamma Mia

2009-10-18T10:28:00.009+02:00

He aquí dos musicales hechos a partir de canciones de los Beatles y ABBA respectivamente. Ante el primero tenía tremendas reticencias (aunque un colega beatlémano me la había recomendado) y ante la otra tenía ciertas expectativas después de ver la escena de Meryl Streep cantando Mamma mia. He aquí mi evaluación final de ambas:

MAMMA MIA

Una madre y una hija viven en Mykonos, donde regentan un hotelito monísimo aunque venido a menos; la hija se va a casar, pero quiere que su padre la lleve al altar, con el problema de que no sabe quién es: basándose en los diarios maternos, invita a los tres posibles padres sin que la madre lo sepa. Cuando se entera, le da un soponcio, porque le hacen tilín todos. Comedia de enredos al margen de las pruebas de ADN. Un pasatiempo un tanto inane con marketing exorbitado.

Se sustenta entera sobre Meryl Streep, tanto dramática como musicalmente; Amanda Seyfred (la hija) no lo hace mal y Colin Firth (me gusta mucho este actor) tampoco, pero el resto están un poco cogidos con calzador; cantar, lo que se dice cantar, principalmente Meryl (su versión de The winner takes it all pone los pelos como escarpias); Christine Baranski lo hace bien, pero las canciones le vienen pequeñas; el resto no son nada sin acompañamiento.

La historia es un poco inocua. O totalmente inocua. Para cuando la niña se va a casar, ya se pueden hacer pruebas de ADN.

Entetenida sin más, aunque Mykonos no es el vergel que representan, sino un erial de monte bajo. Con todas las islas que hay en Grecia, podían haber elegido otra, preferiblemente del Jónico, que son más feraces, e igualmente mediterráneas.

ACROSS THE UNIVERSE

En los años sesenta, Jude, un chico de Liverpool (¿qué otra ciudad podría ser?) va a EEUU a buscar a su padre, que trabaja en una universidad del este (Columbia, según imdb)... en mantenimiento; allí conoce a Max, un perdulario que deja la universidad y se va con él a Nueva York, y a la hermana de éste, Lucy, de la que se enamora. Max es reclutado para ir a Vietnam y Lucy en una asociación antibélica liderada por un cantamañanas con carisma. Viven en el piso de Sadie, una cantante de blues, que se enamora y toca con Jo-jo, un guitarrista, al que abandona por grabar un disco y arrasar en el campo de la música. Tras varias idas y venidas, todo se soluciona al final en un concierto conjunto en una azotea.

No está mal la historia, aunque a veces parece metida con calzador.

Lo mejor son las versiones, que respetan el fraseo original de los Beatles, pero tienen fuerza propia; se salen del parámetro Let it be (en forma de spiritual, casi es mejor que la de los propios Beatles, y que San Lennon me perdone), While my guitar gently weeps y Oh Darling.

Cameos (canción incluida) de lujo: Joe Cocker canta Come together y Bono I am the walrus (donde yo echo de menos los uh! cuando dice I am the walrus) y Strawberry fields forever; Salma Hayek hace coros en Happiness is a warm gun.

Todos los personajes tienen nombres sacados de canciones de los Beatles. Pero también se homenajea a Joe Cocker y su versión de With a little help from my friends.

Película por y para beatlémanos, la BSO es colosal.

2001: Una odisea del espacio

2009-01-12T02:37:00.006+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Como cinéfila soy un fraude (y como bloguera, casi otro), si a estas alturas de partido confieso que hasta ayer no había visto la peli del post de hoy. Me podría deshacer en análisis sobre las imágenes y el trasfondo filosófico, cómo la música no está puesta al azar... Pero, a pesar de las escenas del hueso (simboliza el progreso, el uso de herramientas, sin palabras expresa tanto, entronca con Eisenstein al sacar la vaca moribunda según deja caer el hueso, etc) y de la fumada final y su guiño al superhombre nietzscheano (de ahí la música de "Así habló Zaratustra", que viene al hilo con la temática subyacente de la peli), la película habla por sí sola con la parte de en medio, la que habla del duelo entre HAL y el ser humano; plantea las suficientes preguntas como para no necesitar monolitos ni guiños evolucionistas, sino el mero devenir de los acontecimientos.

Yo soy la Juani

2008-08-14T23:26:00.007+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Lo primero que se me ocurre al pensar en esta peli: es exactamente como me la imaginaba. Bigas Luna, digan lo que digan, es un adalid de la horterada, y esta peli parece un manifiesto de la misma. Cómo convertir una anécdota de fin de semana en un proyecto cinematográfico sin despeinarse. Lo único destacable es la protagonista, no por el personaje, pueril y cabezón, sino por la actriz, Verónica Echegui, premiada y nominada varias veces por esta película. Fuera de eso, el típico personaje de desbordada sexualidad y poco más que contar que tanto gusta a Bigas Luna. Vamos, que si en vez de verla en la tele, llego a pagar los 6 eurazos que cuesta el cine en Barcelona, me da algo.

Expectación ante el retorno de Indy

2008-02-28T19:44:00.006+01:00

Algunos de vosotros que vayáis al cine más que yo habréis visto el trailer: por la gente que me lo ha comentado, lo más probable es que el cine se llene de treintañeros y, como mucho, cuarentones, que somos quienes crecimos con las aventuras del eminente Doctor Jones (genuino epíteto épico). El estreno será el 22 de mayo (justo después de mis exámenes de mayo-junio, a modo de recompensa). Hasta entonces, he aquí un trailer para ir abriendo boca en los tres meses escasos que todavía faltan para el evento: el retorno del Héroe 20 años después.

Héroes imaginarios

2008-02-21T21:27:00.006+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Lo peor que te puede pasar es que una buena película te atrape después de la medianoche teniendo que madrugar al día siguiente: no podrás escapar. Y eso nos pasó anoche con esta película de corte intimista basado en buenos actores y un guión soberbio, que va soltando notas a lo largo de la cinta que suponen una revelación para el espectador sin perder coherencia en la narración.

Al margen del trabajo de Dan Harris, director y guionista de la cinta, no nos queda más remedio que poner por las nubes a Sigourney Weaver, para quien, seguramente, resultó más difícil meterse en la piel de una madre a la que se le suicida un hijo que matar a todos los aliens del mundo; junto a Emile Hirsch, que interpreta estupendamente al introvertido hijo, es el personaje central de la película. No porque sean las únicas interpretaciones notables, ya que Jeff Daniels (que puede pasar de la deliciosa La rosa púrpura del Cairo a Dos tontos muy tontos sin asomo de rubor), en su empeño de salir de cuadro está presente en toda la dolorosa estupidez de su personaje. Menos mal que todavía queda cine.

Robin y Marian

2008-02-16T10:34:00.008+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Una, que es muy fan de los Beatles, ha visto todas sus pelis, y saca una conclusión: Richard Lester no es un director muy allá. Pero entonces ve ésta, nada grandilocuente pero muy efectiva, y tiene que reconocerle el acierto.

Robin (Sean Connery) y Little John (Nicol Williamson) vuelven de las cruzadas y se encuentran que nada es como lo dejaron. Robin está dispuesto a retomar su relación con lady Marian, y algunos viejos enfrentamientos vuelven a la palestra.

Una de las delicias de esta peli es la lista de actorazos que por ella desfilan: Audrey Hepburn, que volvió de su vida familiar; Sean Connery, justo después de rodar El hombre que pudo reinar; Robert Shaw como el sheriff de Nottingham; es interesante el tratamiento que Lester y Shaw hacen del personaje, mucho menos enconado contra Robin que el habitual; Richard Harris como Ricardo Corazón de León; Denholm Elliott como el juglar Will Scarlett; Ian Holm como Juan sin Tierra y, oh sorpresa, Victoria Abril (acreditada con otro nombre) como la reina jovencísima. Una joya entrañable con una visión particular de la muerte de Robin.

Como datos curiosos (y aparte de Victoria Abril, hay alguno más), está el hecho de que Lester rodó en Navarra, que siempre garantizará mejor tiempo que Nottingham, máxime cuando se trata de rodar en exteriores. El director artístico es Gil Parrondo (el que siempre se lleva el Goya con Garci).

Una peli de las que ya no se hacen, la verdad: grandes actores (la peli descansa sobre ellos), un guión presto a alguna sorpresa, humor y emoción. Viendo joyas como ésta, cabe preguntarse en qué momento las películas se convirtieron en productos.

La huelga de guionistas

2008-01-27T14:22:00.001+01:00

Entre que últimamente no estoy muy al día y escribo muy poco, no sabía a qué se debía la huelga de marras. Pero hoy, en parte por enterarme y en parte por poner fin a la sequía de 24 por segundo (que se iba a convertir en 24 por año), me he puesto dedos al teclado.

Lo más pujante en Hollywood son las series, donde más se invierte porque son un nicho redescubierto. Los estudios sacan una pasta no sólo por los contratos publicitarios y por la serie en sí, sino por venderla en DVD.

De eso sólo sacan tajada los estudios, aunque los que escribieron Los Soprano o Sexo en Nueva York son, en buena parte, los artífices del ingenio que destilan ambas series. Y por eso han decidido presionar a los estudios: para sacar tajada de la venta de DVDs y se retribuya su trabajo.

Parece que los estudios tienen material para 2008, pero más les vale a los productores sentarse a la mesa y dialogar, o les veo reponiendo clásicos o películas en VO para no reconvertir las cines en Starbucks.

Lo que más me maravilla es cómo todo el mundo sigue la huelga con fidelidad que ya soñarían CC.OO., UGT o CGT. Porque no tiene pinta de que los guionistas se vayan a apear de la burra, por lo que al final

a) Tendrán que ceder los de los estudios y pagar parte de sus derechos de autor a los guionistas.

b) Para tener el mismo grado de beneficio, quién sabe si no subirán el precio de los DVD, que no es que sean precisamente un saldo.

c) La gente, por no pagarlos, los descargará por vías paralelas, para gozo y alborozo de la SGAE que, pase lo que pase, siempre sale ganando...

El laberinto del fauno

2007-10-28T22:25:00.005+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Una ve El laberinto del fauno y se pregunta dónde están todos aquellos que critican el cine español porque sólo saca películas de la guerra civil con preadolescente: ésta es una peli española (máxime ahora que los descendientes de exiliados tendrán derecho a la ciudadanía) con preadolescente que transcurre en la posguerra, con maquis, un facha más malo que un dolor (porque a Sergi Lòpez, siendo un actor como un piano, sólo lo vemos últimamente haciendo de malo)... Y, sin embargo, arrasó allí donde fue.

Porque, a pesar de todos esos ingredientes que he mencionado arriba, Guillermo del Toro, no olvida que el eje de la película ha de ser la historia, el conflicto.

Ofelia y su madre (Ivana Baquero y Ariadna Gil) llegan a un pueblo del prepirineo porque la segunda se ha casado con un capitán (no está muy bien explicado, los motivos del matrimonio son un poco oscuros).

Ofelia, una niña muy fantasiosa, se encuentra con un hada, que la lleva hasta un fauno, que le dice que es la hija desaparecida del rey del submundo, y le indica tres pruebas que deberá culminar.

Sus fantasías chocan con el mundo que la rodea: maquis, un padrastro (el citado capitán Sergi López), Mercedes (la doncella con su doble juego -Maribel Verdú, que por fin actúa-) y el doctor (Álex Angulo), y su madre, a quien el embarazo no sienta demasiado bien... En un entorno tan acre y poco acogedor, sólo la fantasía podrá rescatarla...

Muy entretenida. Recomendable.

La princesa prometida

2007-10-16T19:19:00.004+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Cuando mi tía me puso, hace ya 17 años, la peli de marras, reaccioné como el niño Fred Savage: puaj, menuda moñez. Como él, al día siguiente quise verla de nuevo, y el siguiente paso fue el proselitismo sistemático por mi parte, con reacciones similares a la mía: del puaj al digamos frikismo desaforado

De acuerdo, es una película de besos. Pero, vaya por Dios, el guionista es William Goldman (Marathon Man, Dos hombres y un destino) y el director Rob Reiner, más o menos cuando rodó Cuando Harry encontró a Sally o Cuenta conmigo y mucho antes de caer en el lodazal llamado Historia de lo nuestro.

Al hilo: Buttercup (Robin Wright) es hija de un granjero y Wesley (Cary Elwes) es el fámulo de su padre, que se enamoran un poco a regañadientes. Para hacer fortuna, Wesley va a lejanas tierras, pero su barco es abordado y el pirata Roberts, que nunca hace prisioneros, da cuenta del bajel.

La pobre Buttercup se sume en una depresión tremenda, y todo le da igual. Así que cuando el príncipe la elige como su mujer, aunque no presentara telediario alguno, pues se deja hacer, para el caso.

Pero el príncipe Humperdinck (Chris Sarandon) no se casa con ella para consumar el matrimonio, sino la guerra, para lo que contrata a un siciliano (Wallace Shawn) y sus secuaces, el español espadachín Íñigo Montoya (Mandy Patinkin, que se digna hablar el inglés con acento español, hace muya buena caracterización) y Fezzik (André el Gigante) para que secuestren a la princesa Buttercup, la maten y echar la culpa al reino vecino. Pero las cosas no salen como ninguno de ellos espera...

Aunque a estas alturas me sé los diálogos, no dejan de ser chispeantes e ingeniosos y llenos de irónicas vueltas de tuerca que hacen de ella una película entrañable a todas luces, a pesar de los decorados horrendos que de vez en cuando asoman.

¿Y cómo es que ahora hablo de esta peli? Pues porque ayer la echaron en el canal cosmopolitan, donde, aunque la interrumpían con mil anuncios, no le robaban su magia. Me di cuenta de que Elwes y Wright eran unos críos (a los 14 me parecían mayorcísimos). Quizás no sea la película 10 de la historia del cine, pero sigue entreteniendo, haciendo sonreír (y recitar los diálogos, a qué engañarnos) y, sin duda, ha resistido el paso del tiempo.

Para los cazadores de personajes, Billy Crystal o Peter Falk (conocido mundialmente como Colombo) se esconden en la cinta. Para los coleccionistas de BSOs, es de Mark Knopfler (que, por aquel entonces, estaba o acababa de salir de Dire Straits), y su tema principal, A Storybook Story está cantado por Willy de Ville.

La habitación del hijo

2007-07-08T22:21:00.004+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Una de las cosas más de agradecer en esta película de Nanni Moretti es la falta de estridencias, alharacas y aspavientos, máxime cuando el tema que trata es tan duro como la muerte de un hijo. Obviamente, hay momentos en los que se puede empatizar con los personajes, pero, salvo una escena -corta- en la que la madre grita de dolor tumbada en la cama, en general los personajes lloran en silencio.

Giovanni -qué poca imaginación tiene este hombre para bautizar a sus personajes- es un psicoanalista que tiene una familia razonablemente bien avenida y que un domingo, a causa de la llamada de un paciente, en vez de salir a correr con su hijo adolescente, hace una visita a domicilio. El chico se va a bucear con sus amigos, y sufre un accidente mortal. Este hecho resquebraja, como ciertas piezas de vajilla de la casa, la unidad familiar.

Si dejamos de lado el clásico egocentrismo de Moretti, que no es ni el mejor ni el peor actor posible, en general las interpretaciones están bien, pero el guión es más reseñable. La verdad, lo más llamativo de la historia es la aparición de Arianna, una chica con la que se carteaba el difunto Andrea, que primero rehúye el contacto, y luego aparece con un amigo autoestopista con el que quiere irse a Francia haciendo dedo.

Esta chica introduce una escena no por más sutil menos conmovedora, y que da título, probablemente, a la peli: las fotografías que el hijo se hizo en su habitación. De nuevo, sin alharacas ni estridencias. Al final, a falta de un conductor amable, el propio Giovanni lleva a los chicos de Ancona al primer pueblo de Francia; toda la familia (mujer e hija) va con él, en un raro momento de cohesión familiar que llevaban rato sin compartir.

Quentin y Uma en la sala de reanimación

2007-07-07T21:57:00.003+02:00

¿Qué tienen en común Pulp Fiction y Kill Bill?

La respuesta está en el título: ambas dirigidas por Tarantino, en ambas brilla la Thurman, y en ambas se resucita a un zombi cinematográfico, primero John Travolta (viendo sus trabajos posteriores, una no sabe si agradecérselo o cagarse en todo, más que nada por Phenomenon o Campo de batalla: la Tierra, filmada y producida por Travolta para mayor gloria del fundador de la cienciología) y luego David Carradine, del que sólo tenía noticia por la parodia que le hacen los Martes y Trece en uno de sus especiales de hace una década.

Sobre la escena en la puerta de la capilla, tuvo lugar una conversación similar a ésta:
Q.T.- Es la mejor escena que tienes en la película.
D.C.- Es la mejor escena de toda mi carrera.

Como David nunca ha sido ni guapo, ni bueno, ni actor de moda, sigue siendo un actor secundario en tantas series; pero al menos la juventud (lo que me incluye) podrá recordar a David en un papel mínimamente decente, desde el punto de vista interpretativo (ha sido el recorrido inverso a su hermano Keith, que empezó con Ridley Scott en la magistral Los duelistas ha acabado calvo y gordo en una telecomedia para adolescentes).

Destripando remakes: Nueve reinas / Criminal

2007-06-19T01:51:00.002+02:00

Los remakes son una excusa cuando no hay ideas. Aquí enfrentamos el original frente al remake: similitudes, diferencias...
Puede contener algunos spoilers (¡dobles!).

John C. Reilly no es Ricardo Darín, pero hoy le he visto hacer la famosa escena del restaurante, pidiendo el cambio de 100 dólares que el camarero decía no haber pagado. Me ha invadido una sensación de déja vu, y he decidido mirar el argumento... Unos sellos (no 9, sólo 2, y bastante más grandes que en el original argentino), un timador novato y otro experto que tanga la herencia a sus hermanos pequeños, que trabajan en un hotel de lujo... Y, en vez de Buenos Aires, Los Angeles.

Acabaremos antes si decimos que, aparte de la decoración (con menos encanto en la peli gringa, aunque tampoco es lo más criticable), sólo hay tres escenas diferentes (de lo parte que he visto, que es casi toda):

La escena en la que el personaje de Gastón Pauls (aquí el mexicano Diego Luna, por aquello de mantener, aunque sea en grado mínimo, la conexión latina) vuelve al hotel a besar a la hermana del otro cabroncete;

La escena del tumulto en el banco: en Los Angeles, California, USA, no hay corralito ni problemas con la moneda, y lo han resuelto como han podido, en mi opinión, de manera menos redonda.
El niño que pide en el metro; esto se deriva del anterior punto; esa escena en la original argentina es muy amarga...

LO MEJOR:

John C. Reilly, que lo hace bien -vaya novedad-, y todos los defectos que se le puedan encontrar son de los matices que le han puesto al guión original, porque él da para mucho más.
Que den crédito a la película de la que la han sacado. Y en letras grandes.

LO PEOR: Uff... Varias cosas...

La poca química que hay entre los personajes. Los de Pauls y Darín, a pesar de la vuelta de tuerca final, tienen más química a lo largo de la película.
En la original, el idioma castellano era más un nexo que una separación: que un personaje sudara tinta china para imitar el acento español era parte de la sutileza de la trama. Aquí, que Diego Luna hable castellano es parte de la separación y la falta de química de su personaje con el de Reilly.
Leticia Bredice es una magnífica actriz, y Maggie Gyllenhall es discreta. Al margen del canon estético de cada cual...

Vamos, que Clooney y Soderbergh, que dentro de poco irán por el Ocean's One Thousand (o se podrán a hacer precuelas desde Ocean's One en adelante...) se podían haber ahorrado el dinero o haberlo invertido en cursos de español avanzado... Una buena trama que, como de costumbre, es mejor en su versión original...

Sobre John Williams

2007-05-31T01:07:00.002+02:00

El otro día, en un programa de música de cine que dan en una cadena de música sinfónica, hablaban de este clásico de las BSO, John Williams. Ya habíamos analizado su trabajo a partir de audiciones, y, entre el Barbas y yo, llegamos -desde nuestros limitados conocimientos musicales- a conclusiones que refrendaron en la radio...

1. Da la sensación de haber llegado tarde a la música clásica al uso: si hubiera nacido unas décadas antes, hubiera sido un romántico de la mano de Mahler, por ejemplo. En vez de eso, hizo escuela en lo de las bandas sonoras y, digamos, es la cabeza del neosinfonismo (palabro aportado por el programa de radio). Esto se puede advertir en la riqueza y sutileza de sus composiciones: Johnny no orquesta a la ligera (recomiendo, a este punto, la banda sonora de ET).

2. No puede negar la influencia de Wagner: incorpora leitmotivs o motivos musicales, para identificar bien personajes (conocido es el de Indy) o conceptos más o menos abstractos (la Fuerza, el Imperio o el Arca de la Alianza) con unos pocos compases.

3. Le encanta la sección viento metal. Es un hacha con las fanfarrias que, lejos de convertir en una charanga de pueblo, dota de sutileza en la composición y orquestación. Aunque os chirríe, escuchad la de Star Wars (treinta años, y es un clásico de la BSO): no son cuatro trompetazos, hay un tejido subyacente de ventosas notas que no se limitan a rellenar el espacio sonoro, sino a enriquecerlo...

Star Wars, treinta años después

2007-05-24T21:43:00.002+02:00

Hace mucho tiempo, en una galaxia muy lejana...

...un estudiante de cine con intereses antropológicos llamado George Lucas se sacó de la manga un western galáctico con reminiscencias de Kurosawa (se inspiró en La fortaleza escondida, dice él). Las pasó canutas para encontrarle producción y distribución, y llegó a un acuerdo con la Fox que ellos vieron como un chollo: ellos se quedaban con las ganancias de taquilla, y George las de merchandising. El tiempo les demostró su craso error.

Con el tiempo, Darth Vader se convirtió en la personificación del mal, Alec Guinness es más conocido por Obi Wan Kenobi que por toda su carrera anterior y posterior, Harrison Ford lanzó la suya y Carrie Fisher, aparte de Cuando Harry encontró a Sally y Hannah y sus hermanas, vio que como escritora se lo podía hacer casi mejor que como actriz...

Por su parte, Lucas relanzó en Hollywood

la comercialización de las películas;
la industria de F/X.

Así, a pesar de que una ha crecido gracias a la Fuerza, debe confesar que Lucas ha resultado, desde luego, mejor empresario que cineasta y mejor productor que director, pero, en esta singladura galáctica, ha quedado claro que la Fuerza estaba con él...

25 de mayo de 2007, 30 años del estreno de Star Wars episodio IV: una nueva esperanza (conocida tradicionalmente por La guerra de las galaxias).

Culo veo, culo quiero...

2007-05-16T19:43:00.004+02:00

En España los ruegos a la ministra no se han hecho esperar, y si en EEUU quieren proscribir el consumo del tabaco en celuloide, aquí quieren evitarlo... por el procedimiento más expeditivo de cortar subvenciones a las películas con humo. Al margen de la imitación un tanto chorra de la restricción (refuerzo negativo al más puro estilo Skinner), está el tema de ¿debe el arte restringirse según la normativa al uso? ¿Dónde están los límites, antes de llegar a las snuff? Yo no fumo, pero estas restricciones pseudoeducativas ¿deben contemplarse como parte del cine?

No es código Hays, pero...

2007-05-14T02:20:00.002+02:00

Yo suponía que lo del código Hays ya pasó a la historia en Jolibú y ya no había tantas restricciones; pero parece ser que, únicamente, se limita al sexo, por el simple hecho de que la gente quiere ver chicha. Pero hay más formas de vulnerar la moral y saltarse el mandamiento uno del citado código, que dice:

Ninguna película derribará los estándares morales de los espectadores: no debemos hacer que los criminales y aquellos de comportamiento errático, malvado o pecaminoso sean simpáticos o agradables al espectador.

¿Y a qué viene esto?

A que en los USA han decidido implantar como norma que no se debe sacar en las películas a nadie, aunque sea malo malísimo, fumando. Obviemos el submandamiento sobre las sustancias tóxicas:

El consumo de drogas ilegales está prohibido, así como el de licor, "cuando no lo requiera la trama o la caracterización adecuada del personaje".

Al fin y al cabo, el tabaco cualquier día de éstos deja de ser legal...

En fin, que a este paso, con el retocado digital, harán que Bogie en Casablanca, tome pirulíes como Cruyff en el banquillo del Barça. Y si no, al tiempo.

El quinto elemento

2007-05-07T14:10:00.001+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Pensaba que, por lo oído, se ceñiría perfectamente a la definición de una mierda pinchada en un palo, pero, si bien no contribuye sensiblemente a la historia del cine, por lo menos es entretenida. Además, Bruce Willis, calvo como siempre y teñido de rubio, vuelve a salvar el mundo.

Hay una hermandad de sacerdotes que protege la Tierra del Mal, que ya estuvo asolada una vez, y que estaba previsto que volvería a estarlo aproximadamente tres milenios más tarde.

Cuando esta contingencia se presenta de nuevo, los sacerdotes se encuentran con un aparato burocrático importante, y el ejército toma las riendas. Pero aparece una variable con la que no cuentan, que es el Quinto Elemento (ninguno sabe que lo es), que, huyendo, se encuentra con el Bruce Willis, antes mayor del ejército, y ahora taxista en Nueva York after Blade runner.

Está cantado, pues, que Bruce Willis tiene que ayudar al Quinto Elemento (y a un montón de gente que se lo pide a falta de nadie mejor) frente a los que se lo tratan de impedir (los malos, cuyo mayor representante es Gary Oldman, qué raro) a buscar las piedras (que son los otros cuatro elementos) y salvar el mundo de un armaggedon en formato Gran Bola de Fuego.

Entre lo mejorcito está, curiosamente, Bruce Willis, que, cuando está razonablemente bien dirigido, da el pego, y, por supuesto, Ian Holm o Gary Oldman, a pesar de que se pasa de paródico; también es de destacar el sentido del humor, esencial para poder verla sin acordarse de Luc Besson y su parentela.

Lo peor es la Milla Jovovich (aunque supongo que para ellos tiene el aliciente visual), que es muy mona, pero muy limitada como actriz y el infumable cantantillo que hace de loca y que, francamente, tampoco tiene un relieve en la historia que justifique todas las escenas que tiene en la peli (vale, que sí, que transmite al presidente lo que pasa... pero ni por ésas, me sobra).

Aunque sinceramente me fastidia que las Juventudes Pseudocinéfilas crean que el look Blade runner lo inventó Luc Besson, como ya he dicho, es una peli entretenida para un domingo por la tarde...

...sin más pretensiones que reírse y lamentar el final moñas que gasta... No es que me den miedo o asco las ternezas, es que no pega con el resto de la peli...

Cine español 1: el divorcio con el público

2007-04-26T19:00:00.002+02:00

Durante muchos meses, foreé en Terra sobre cine y aledaños: generalmente, en el subforo de cine español, se solían repetir ciertas pautas entre los foreros, que se podrían sintetizar en varios conceptos:

El cine español...
...sólo habla de la Guerra Civil desde el punto de vista de los republicanos o de niños con picores y furores eróticos;
...no sabe lo que son escenas de acción;
...aburre a las vacas.

Esta síntesis es un poco exagerada, pero sí deja de manifiesto una realidad: a la gente el cine español le parece un pestiño; no sé si es por esa tendencia patria de denostar todo lo que aquí se hace a excepción de la liga de fútbol y el jamón ibérico, o por algo que llama más la atención: ¿trata el cine español temas que interesen al público?

Por un lado, Almodóvar y sus melodramas over the top; por otro, Julio Médem y sus películas intimistas e indudablemente afrancesadas; Amenábar daba espectáculo... hasta que, para muchos, se volvió intimista, o similar (Mar adentro). Agustín Díaz Yanes lo intenta, una y otra vez, pero no acaba de acertar. Berlanga y Saura, contra Franco filmaban mejor. Y aunque nuestros actores gustan y triunfan por ahí fuera, aquí la cosa renquea, no acaba de despegar...

Pero una se pregunta si fue antes el huevo o la gallina. ¿Son las películas las que se alejan del gusto de la gente, o es que la gente da la espalda al cine español ya por costumbre?

Judy Garland, más acá del arco iris

2007-04-22T12:37:00.002+02:00

Hay veces que una se mira al espejo y piensa Dios, qué gorda estoy.

Por suerte o por desgracia, una no está sola en esas caídas del autoconcepto por motivos estéticos: a Judy Garland le salieron muy caros.

Trabajaba con bellezones como Lara Turner, y ella se veía del tipo albondiguilla, y aunque las rellenitas también tengamos nuestro público, para ella era una losa no en su carrera, sino en su autoestima.

Le recetaron anfetaminas para adelgazar. Para contrarrestar los efectos de las anfetas, le recetaron barbitúricos para dormir. Se enganchó a ambas cosas, y aunque intentó dejarlo, cuando vio los efectos del desenganche en su tipín, volvió a las andadas.

Seguramente, si hubiera sido Judy y no Dorothy quien visitara al mago estafador de Oz, le hubiera importado una figa volver a Kansas y hubiera pedido un tipín de sílfide del bosque sin pastillas ni disgustos. Pero, más acá del arco iris, la realidad se impone: murió de sobredosis en 1969, a los 47 años.

Pe

2007-04-19T15:29:00.003+02:00

Por esa tendencia tan española a criticar a todo el que triunfa, a Penélope le debe chiflar el oído izquierdo a diario.

A mí no me cae especialmente bien la moza (y digo moza porque tiene mi edad, a ver), y hace unos pestiños que es para coserla a collejas, pero cuando encuentra un buen director, creo que es más que resultona.

Como en Estados Unidos le dan unos papeles que también es para darles de comer aparte (los buenos son para Reese Witherspoon, Julia Roberts y otras all-American actresses) y el último trabajo gringo que le vi fue el anuncio de la coca-cola y el eructo, me tengo que remontar a su singladura cañí, concretamente a tres películas:

La niña de tus ojos, de Fernando Trueba. Aquí interpretaba a Macarena Granada, una folclórica que hacía películas en los años 30 (no es biopic, pero está inspirada en Imperio Argentina), por lo que viaja con toda la troupe fílmica a Berlín a rodar una españolada (somos españoles, qué vamos a hacer, ¿alemanadas? ¿americanadas?) en español y alemán. Lo mejor de la peli (mi humilde opinión, y en este orden) son la Sardà (¿cuándo no?) y Pe.

Abre los ojos, de Alejandro Amenábar. Habrá quien diga que al lado de Eduardo Noriega un tronco de árbol es más expresivo, pero creo que aquí lo hace mejor que bien.

Todo sobre mi madre, de Pedro Almodóvar. Ya sé que la gran sorpresa de esta peli es Antonia Sanjuán, y están Cecilia Roth, Candela Peña, Marisa Paredes y (otra vez) la Sardà. Las más naturalitas son Cecilia, Candela, Rosa Maria y Pe...

Y me falta por ver Volver.

Sí debo añadir que para el espectro patrio me parece buena (siempre que el director sepa aprovecharla). Tengo más dudas sobre si se merecía el Oscar o no; ya he dicho que no he visto la peli por la que la nominaron, pero sí creo que tiene un techo en su interpretación, y puede que sea ese techo el que la separe del tío Oscar...

Fama

2007-04-18T00:33:00.002+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Si por algo no se distinguen los musicales de Alan Parker es por ser la alegría de la huerta: en The Wall (1982) nos contaba el mal viaje vital de una estrella de rock interpretada por Bob Geldof con música de Pink Floyd (la vi hace una pila de años, por lo que no puedo decir más que me impactó la escena en que se afeita el pecho). Los Commitments (1991) cuenta la historia de un grupo de soul de Dublin condenada al fracaso desde el principio (aunque la banda sonora es memorable). Evita (1996), pico interpretativo en la carrera de Madonna, cuenta el ascenso y la amarga caída de la señora Perón según la visión de Rice y Weber.

La de hoy, Fama, es anterior a todas, y le debe mucho a Bob Fosse, el maestro absoluto en lo que a musicales sórdidos se refiere. Nos cuenta el paso de una promoción de jóvenes por la Escuela de Artes de Nueva York; en la serie que hicieron después a raíz del éxito de la película los personajes tienen un glamour que no existe en la película. Las escenas de humor (que las hay) sobreexponen a los personajes al ridículo.

Ya puestos a ver los aspectos formales, se divide en cuatro, según los cursos de la promoción de la que habla la película, desde las pruebas de acceso (una gran escena) hasta la graduación, cada uno con sus cuitas: Leroy (el mismo Leroy de la serie, el mismo Leroy Johnson de siempre) y sus problemas académicos para todo lo que no es baile; Doris y sus cuitas para reafirmarse ante su madre judía, absorbente y mandona; Ralph y sus problemas para hacer reír en un mundo que no tiene gracia; Bruno Martelli, músico ajeno a la historia de la música (en oposición al profesor Shorofsky) y Montgomery, y sus problemas para encajar en el mundo. El final es tan abierto como el destino de una promoción al acabar los estudios, pero, como en algún sitio tenía que acabar Parker, se dedica a la fiesta de fin de curso.

Fama fue rodada al final de la era disco, y se nota en la banda sonora. Si no estás familiarizado o directamente te repatea, chocan. Para alivio de algunos, no tiene muchos números sonoros, y está dirigida de manera inteligente por lo que, a pesar de lo obsoleta que pueda parecer la música, resiste el paso del tiempo. Quizás se deba a que son los mismos problemas de siempre, aunque en un gremio muy concreto.

Ingrid & Roberto

2007-04-16T00:16:00.003+02:00

Un buen día, el director de cine Roberto Rosellini recibió una carta como ésta:

Estimado Señor Rossellini:

Vi sus películas Roma, ciudad abierta y Paisà, y me gustaron mucho. Si necesita una actriz sueca que hable muy bien inglés, que no haya olvidado su alemán, a la que no se entiende mucho en francés y que en italiano sólo sabe decir ti amo, estoy dispuesta a hacer una película con usted.

Ingrid Bergman

Trabajaron juntos en Stromboli y se enamoraron. Roberto Rossellini cometió el error de llevar a comer a Anna Magnani para contárselo, y digo que fue un error porque ella le echó por encima, como una furia del infierno, un plato de espaguetis a la boloñesa.

Ingrid estaba casada con un dentista danés, mucho más educado que la Magnani, que le echó por encima una demanda por abandono del hogar. Como por aquel entonces el código Hays, que preconizaba la virtud y el matrimonio, hacía estragos, Ingrid fue boicoteada en Estados Unidos, y blanca y radiante se casó con Roberto en lo profesional y en lo legal... hasta 1957.

Planos secuencia para las escenas de pelea

2007-04-06T21:42:00.003+02:00

Dicen que Viggo Mortensen maneja la espada de maravilla: si depende de Peter Jackson, cualquiera lo diría, dado que riega El señor de los anillos de planos muy cortos, tanto en la duración como en el zoom que le aplica al tema. Ves películas clásicas como Ivanhoe (una adaptación pésima de una buena novela), Robin Hood o El maestro de esgrima (española y no tan clásica), y el director confía más en los actores y en los instructores de esgrima que los adiestran.

Otra vez podemos echar la culpa a la falta de valentía de los directores o a su falta de técnica y a la estética de videoclip que tanto abunda; para repartir mandobles, no hace falta gastar presupuesto en maestros de esgrima...

Planos largos

2007-03-25T13:28:00.002+02:00

Ayer daban Lawrence de Arabia, y en esas escenas cairotas (hay que ver cómo se parece El Cairo a Sevilla) en las que Larry tiene que reunirse con sus superiores (el burócrata es Claude Rains, Renault en Casablanca) abren el plano de manera que hoy se consideraría antigua: en la escena en la que ascienden (casi contra su voluntad) al personaje central de la película, gastan un plano larguísimo: ya no se ven planos tan largos, ahora un plano general permite que se vea la cara de todos los interesados, o se tira más de plano-contraplano. ¿Es carencia técnica de los realizadores, o se confía menos en la interpretación de los actores? ¿O, simplemente, se consideran planos, de alguna manera, inútiles para la trama?

Más sobre el rodaje de Woody en Barna

2007-03-07T17:38:00.002+01:00

El País se hacía eco de la reunión de Jordi Hereu (el alcalde de Barna) con Woody Allen; parece ser que el rodaje tendrá lugar este verano, aunque no sólo en Barcelona y alrededores, también en Oviedo, ciudad que sedujo a Allen cuando recogió su premio Príncipe de Asturias, y contará con equipo español delante y detrás de la cámara: además del Bardem y la Pe, Javier Aguirresarobe (del que supieron en EEUU a cuenta de Los otros) será el director de fotografía. Ah, y será una película romántica. Romántica a la manera de Woody, claro.

¿Existe el cine nacional?

2007-02-28T18:41:00.002+01:00

Si algo ha habido en los oscars de este año, han sido mexicanos: Cuarón y su Tierra de hombres, Iñárritu con Babel y Guillermo del Toro y El laberinto del fauno. Como servidora tiene sus conocimientos en Nueva España (casi todos vía Barbas, todo hay que decirlo), ha sabido de una opinión bastante generalizada respecto a esta eclosión del cine mexicano: pero es que ésos no hacen cine mexicano. Al margen de cierta característica nacional que compartimos españoles y mexicanos (hundir, al menos verbalmente, al que triunfa), surge una pregunta: ¿existe el cine nacional?

Algunas cosas sí son características propias, como el cocinar con cebolla o no: en el cine francés te pueden contar soberanas fumadas y todavía quedar bien o en el cine indio hay números musicales y melodramas a tutiplén; hay quien dice que el cine español es de guerra civil y postrimerías y niño con despertar sexual (El laberinto del fauno tiene capital español, trata del maquis y la protagonista es una niña...).

Está claro, pues, que hay ciertas características habituales en las cinematografías de los distintos países, pero si un director, independientemente de su nacionalidad, hace una película buena, ¿deja de lado sus características sociales y, digamos, patrias para pertenecer a una comunidad distinta, no necesariamente más amplia?

¿Quién limita este canon? ¿En ningún caso puede cambiar? ¿O no se asimila el nuevo cine mexicano al antiguo por la acogida que tiene?

Dos fotos de Oscar

2007-02-27T14:27:00.003+01:00

Todos los años la ceremonia ésta da lugar a muchos comentarios; yo voy a guardar la plumilla y tirar de fotos...

Es largo el camino de Almería a Los Angeles... Ennio Morricone (Oscar honorífico por su larga carrera) y Clint Eastwood (mi querido Clint) pueden dar fe de ello...

Muy sutiles los de Hollywood: a Roberto Begnini se lo dio Sofia Loren; a ¡Pedro!, Pe y Tony Flags; ¿se olería la tostá Martin Scorsese cuando vio en el escenario a sus coleguitas -y no sólo por lo profesional- Coppola, Spielberg y Lucas?

Scorsese y los Oscar

2007-02-25T09:36:00.005+01:00

Dice Di Caprio que parece mentira que Scorsese no se haya llevado nunca el Oscar, vista su carrera. Y aparte de que a lo mejor no lo hace por ganar el Oscar (porque entonces haría cosas más convencionales y dulzonas), no hay duda de que a nadie le amarga un dulce y que, como mínimo, se lo merece...

Podemos, por otro lado, estar de acuerdo en que Martin ya no es el que era y que Casino revisita Uno de los nuestros, y que si no se lo dieron por las de antes por qué se lo iban a dar por las de ahora, pero el que tuvo retuvo y guardó para la vejez, y Scorsese es, después de Clint Eastwood y junto a Woody Allen, de lo mejorcito que holla el cine gringo, y el cine actual en general.

19 veces nominado, ¿cantará victoria este año, o seguirá yendo a ver cómo se lo lleva otro, del que acaso no nos acordemos de aquí a cinco años? Se admiten apuestas...

Hair

2007-02-21T17:50:00.002+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

En los años 70 en Hollywood se dieron cuenta de que había musicales que podían acabar mal (véase Cabaret, Jesucristo Superstar o All that jazz (Comienza el espectáculo)). Quizás tuvo que ver con la dichosa guerra de Vietnam, que empezó como un juego, y no lo fue; acaso los musicales perdieron la inocencia, como buena parte de la población estadounidense, tras lo que fue posible que los musicales acabaran mal: con los nazis en el poder, Cristo en la cruz mientras Judas se va en un autobús de quinta categoría con el resto del reparto y el coreógrafo la palma tras una operación y va raudo a los brazos de Jessica Lange, por seguir los ejemplos ya puestos.

Claude Hooper Bukowski (y me niego a creer que no son intencionados ni el Hooper ni el Bukowski) es un chico de Oklahoma llamado a filas para combatir en Vietnam: a tal efecto, se traslada a Nueva York donde, en Central Park, se encuentra con unos hippies muy despreocupados que ya quemaron su cartilla de reclutamiento y con los que, por circunstancias, se queda, también atraído por una chica bien, Sheila Franklin (Beverly D'Angelo).

Aunque le intentan convencer de que deserte, Claude se alista (el número de la revisión militar es buenísimo) y lo mandan a entrenar a Nevada. Sus amigos, a raíz de una carta que escribe a Sheila en la que le explica lo que ya hemos visto, que aquello es muy chungo, van hasta Nevada a verlo; el líder del grupo, Berger, consigue meterse en el campamento y suplantar a Claude para que vea a sus amigos... con la peor suerte del mundo: justo en ese rato se moviliza ese regimiento y Claude se queda en tierra, mientras Berger, un hippy sin el menor entrenamiento, va caminito al cementerio de Arlington con parada técnica en Indochina.

Y, de alguna manera, esta peli, aparentemente tan desenfadada, habla de la pérdida de inocencia no ya de una generación, sino de los EEUU al completo, que se metieron en una guerra como en un juego, igual que Berger se mete en el campamento, y salen trasquilados.

Estéticamente está muy cuidada y la música es punterísima (sobre todo, si te gusta el rollo setentero). Como curiosidades de la producción, parece que de la obra de Broadway a la peli hay un cambio bestial (vamos, que ni la misma trama, ni casi las mismas canciones, y conserva el título yo creo que por atraer público, vamos), y que al casting se presentaron dos perfectos desconocidos llamados Madonna y Bruce Springsteen.

Una buena película que, a pesar del final triste deja un buen sabor de boca. No en vano dirige Milos Forman.

El secuestro de Bunny Lake

2007-01-31T17:14:00.001+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

En realidad, para despedir enero pensaba hablar de otra, pero Preminger bien lo vale. Para amantes de thrillers y películas con intríngulis.

La joven Anna Lake denuncia un día que su hija Bunny ha desaparecido de la guardería. Sin embargo, los agentes que se ocupan del caso, no encuentran constancia alguna de la tal Bunny, y todo apunta a que sea un producto de la imaginación de la joven.

La policía londinense empieza a dudar de Ann y Stephen, dos hermanos yanquis que llegaron no hace mucho a la capital inglesa. A lo largo de la peli vemos que hay alguien realmente interesado en la no-existencia de Bunny, de cuatro años de edad.

La última escena, sobre juegos infantiles, crea una tensión opuesta a lo que supuestamente refleja.

Como mínimo, tenemos que decir que es una película inteligente, sin necesidad de efectos especiales (¿quién quiere F/X teniendo a Lawrence Olivier?) y con un guión llamativo de puro bueno. Si no han hecho un remake (estropeándola), es porque la conoce muy poca gente...

Los Goya de este año

2007-01-30T21:52:00.003+01:00

Ya lo dije el año pasado: volvería a ver este año la ceremonia. Afortunadamente, las viejas glorias de la academia han debido de poner el grito en el cielo y sugerir que otro pestiño igual lo vería su reverenda madre, el caso es que este año Corbacho ha alegrado el cotarro con un punto irreverente y llevadero. Algo es algo, dijo un calvo.

Por otro lado, está el hecho de que no he visto más película que Alatriste, y aunque el director me cae muy bien, estaba visto que no se iba a comer un colín, como le pasó con Sin noticias de Dios: a este paso, Tano tendrá que hacer como Almodóvar y no comparecer para pillar chicha.

En fin, parece ser que las vencedoras han sido El laberinto del fauno y Volver; y no sé si es que han querido compensar a ¡¡¡Pedro!!! de la no-minación dándole Los Grandes o si realmente se los merece; la de Guillermo del Toro parece que ha arrasado con toda justicia, pues no he oído más que elogios de ella.

Para el caso, espero que hayan aprendido que si lo hacen ameno, mola más, sobre todo porque ELLOS también tienen que verlo.

Lo que no entiendo (alguna pega tenía que haber) es por qué se ha retransmitido con media hora de retraso. ¿Corbacho amenazó con enseñar los cataplines, y lo difirieron para censurarlo? ¿O es que la niña de El laberinto del fauno tenía que madrugar para ir al cole la mañana siguiente?

Amitabh Bachchan y la Legión de Honor

2007-01-29T02:11:00.001+01:00

El gobierno francés ha premiado al veterano actor de Bollywood Amitabh Bachchan con el máximo galardón que da el cine indio: la Legión de Honor.

Para quien todavía no lo sepa, el cine de Bollywood es el más prolífico del mundo, y parece que el resto del mundo, fuera de la India, empieza a reconocerlo.

El actor, con su mujer Jaya Bachchan y el embajador francés en la India.

Podéis ver la noticia aquí.

24 por segundo: el remake

2007-01-28T14:43:00.000+01:00

Como veis, hay sutiles cambios en este blog mío que casi nunca actualizo y cada vez menos personas leen (mi blog se parece al cine español, con la diferencia de que mi blog ni siquiera lo critican). Son pequeños cambios más que iré modificando poquito a poco... Espero que a vosotros os gusten y a mí me inspiren para escribir más...

Hay cambio en las categorías: he eliminado Acomodador incómodo, porque era un poco cajón desastre, y la he dividido en 5 o así:

Camerinos, para contar cotilleos y curiosidades de los rodajes.
Desde la butaca, sobre asuntos que tienen que ver con el formato de las pelis: género, VO o VD, tendencias de cartelera y similares.
Flash back, sobre la historia del cine: cómo fue creado, normas no escritas que existían...
Primera plana, sobre noticias de cine: premios, rodajes futuros, reconocimientos y defunciones. Vamos, que más que Primera Plana debería llamarse Sonrisas y lágrimas.

También he creado la categoría Making of para cuestiones del blog.

Espero que os guste la nueva versión de 24 por segundo, y, por otra parte, ser más perseverante... De hecho, tengo ya un par de pelis en la recámara, una para despedir enero y otro para recibir febrero, más un post sobre los Goya, que serán mañana...

A contracorriente (The Butcher Boy)

2007-01-25T17:37:00.000+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

La verdad, llevaba tiempo queriendo ver esta película; un día después de haberla visto, creo que podría haber pasado perfectamente sin ella.

A contracorriente (la traducción manda huevos, aunque en cierto modo se ajuste al personaje) es lo que le saldría a uno si comiera gajos de peyote teniendo a Charles Dickens de guía: la truculenta historia de Francie Brady, que mucha risa y mucho hablar con la virgen y los santos para evitar pisparse de la realidad, pero poco a poco, se va quedando solo, se mueren sus padres y su único amigo le da esquinazo, de lo que culpa a Mrs Nugent, que pagará los delirios de Francie muy caros.

Lo mejor de la peli, amén de las apariciones malhabladas de la Virgen, es Stephen Rea, ese habitual del cine de Neil Jordan. Lo peor, sin duda, es la sensación de desmadre que va dominando la película. La califican como comedia negra, pero en un punto determinado se acaba el chiste y empieza el drama frenético...

Cine amarillo

2007-01-23T16:50:00.001+01:00

No, no voy a hablar de la eclosión del cine chino, ni a hacer una retrospectiva de Kurosawa, porque, en esos casos, decir amarillo sonaría pelín racista. La cosa va, más bien, de sensacionalismo y muertes truculentas que se trasladan a la gran pantalla.

El caso Litvinenko, desde luego, no se ha hecho esperar, hasta el punto de que hay hostias para ver si el espía será Johnny Depp o Daniel Craig (el último Bond). También está el caso de la miss infantil que fue asesinada y a los diez años pillaron a uno que parece que no fue el asesino: la familia vendió los derechos de la historia para pagar la defensa.

Cierto que los periódicos pueden ser una fuente de historias increíble: en Hable con ella Almodóvar refleja dos historias que a mí también me impresionaron en su día: un celador que violaba a una comatosa y la dejaba embarazada por un lado y una persona en coma que despertaba tras una pila de años por otro.

Pero este fijarse tan a saco en asuntos tan truculentos y tan calientes (el de Litvinenko todavía arde en las manos de, por ejemplo, Vladimir Putin, que ya se ha debido de acostumbrar a usar guantes de amianto) ¿es más amigo de las taquillas o del cine de verdad? A lo mejor servidora es demasiado emocional y prefiere un esqueleto (la noticia) que se vaya recubriendo con tejidos, sistema circulatorio y nervioso, etcétera, porque para dramatizaciones, francamente, tiene suficiente con las noticias de después de cenar...

Nuestro hombre en La Habana

2007-01-17T01:42:00.000+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Graham Greene, que no ganó el Nobel de Literatura porque en Estocolmo no tienen ni idea, escribía novelas de espías porque conocía el servicio secreto británico; en esta cinta un ingenioso guión y un maravilloso Alec Guinness hacen las delicias del público.

Nuestro Hombre en La Habana nos cuenta la historia de un vendedor de aspiradoras durante el periodo prerrevolucionario cubano; por contactos, y sin comerlo ni beberlo, se encuentra con la tostá de que trabaja para el Servicio Secreto Británico, ¿y qué puede decir él, que no tiene ni idea? Ayudado por un amigo, decide inventarse los informes, hasta el punto de presentar al MI5 los planos de una estación secreta... que son el esquema de la aspiradora estrella del negocio; todo ello, para dar a su hija, Millie, lo mejor.

Como en la central londinense se huelen la tostada, le mandan una ayudante para que lo vigile con el pretexto de ayudarle: Maureen O'Hara. Aunque la química sexual casi brilla por su ausencia, ella se deja seducir por su trama destramada... y por el propio Wormwold.

En fin, aunque la he destripado casi entera (porque la peli, que se sustenta entera sobre Guinness, tiene una vuelta de tuerca interesante), la recomiendo en todo punto con 48 años de retraso, no sin antes contaros el pequeño cotilleo: se rodó en La Habana tras el triunfo de la revolución castrista y antes de que se alineara con la Unión Soviética, supongo que porque en ella saca la decadencia del régimen de Batista.

PD Carol Reed y Graham Greene repiten tándem 10 años más tarde de El tercer hombre.

Los jazzistas y la BSO de Cinema Paradiso

2007-01-15T23:03:00.001+01:00

Fuimos al Blue Note, una de las catedrales mundiales del jazz, en el Greenwich Village de Nueva York. Un tal Bill Conti y su banda (cuyos miembros, individualmente, han ganado varios Grammys). Además de concierto, era espectáculo de stand up comedy, el club de la comedia con trompeta. De repente, se arranca diciendo que va a tocar una de sus piezas favoritas de su película favorita. El tema de amor, que curiosamente no es de Ennio Morricone, sino de su hijo Andrea. Un sitio atípico para escuchar una de mis bandas sonoras favoritas, qué queréis.

Otro día, viendo el digital, dan un concierto de Pat Metheny. Empieza con un punteo, y ya lo veo venir: de repente, veo esas escenas sicilianas, o las escenas de mil besos que siempre me han gustado. Así que voy a colgar un vídeo con la escena final de Cinema Paradiso. Que ustedes lo lloren bien.

Una cinéfila en Nueva York

2007-01-04T13:58:00.001+01:00

Es posible que me equivoque, pero creo que Nueva York es, junto a París, una de las ciudades más filmadas del globo. Viajar allí es encontrarte tantos sitios que has visto en la pantalla, que casi te resulta familiar.

Para empezar, casi toda la filmografía de Woody Allen se ambienta en Nueva York. Ahí tienes unas cuantas así, de golpe. Por ejemplo, en Broadway Heights Annie Hall y Alvy Singer se extasiaron viendo el puente de Brooklyn; en ciertas zonas de Central Park podías recordar escenas de Poderosa Afrodita (aunque, vaya, cuando yo fui estuviera en obras) o bajo un emparrado, de Manhattan. Puedes recuperar escenas de Hannah y sus hermanas en el Metropolitan Opera House o la universidad de Columbia, y tus ojos querrán pasear por las fachadas, aunque quieras saltarte alguna.

Pero no sólo de Woody Allen vive el cinéfilo. Por la quinta avenida una se encuentra con Tiffany, donde, vaya por dios, no sirven cruasanes, ni siquiera de diamantes. En la calle 57 Oeste una se encuentra el mítico Russian Tea Room, que reabrió el mes pasado. El entusiasmo se disipa si una lee los precios, pero hay que considerar que aquí transcurre (entre otras) una escena de Tootsie, aquélla en la que Dustin, perfectamente travestido, aborda a su amigo (Sidney Pollack); esta escena ya la había puesto en práctica con su compañero de Midnight Cowboy John Voight fuera de cámara, y así supo Mr Hoffman que el disfraz era perfecto.

En Washington Square, junto al arco del triunfo (y cerca de la casa de Henry James) se separaron Harry y Sally después de un viaje de 18 horas desde el Medio Oeste. Muchos años más tarde se encuentran ya para siempre cerca de Times Square, una Nochevieja (en la costa Este de los EEUU ven cómo cae una bola en lo alto de un edificio de Times Square para recibir el año nuevo); lamentablemente, no encontré el famoso diner donde Meg Ryan finge uno de los orgasmos más célebres de la historia del cine (la verdad, no he vuelto a ver una peli de Meg Ryan que me guste, y no porque sea una mala actriz, pero es que le mandan guiones con encaje rosa).

Uno puede seguir los pasos de Cary Grant desde la ONU (donde no han cambiado la decoración ni el linóleo del suelo desde entonces), hasta la estación Grand Central, aunque una no tenga a bien ponerse gafas oscuras.

Podemos acompañar por Park Avenue a Al Pacino y Chris O'Donnell desde el Waldorf Astoria hasta cierto concesionario de deportivos. O, de Al Pacino a Robert de Niro, pasear por Little Italy mirando las azoteas por las que circuló Don Corleone cuando marcó su territorio en el barrio y empezó a convertirse en El Padrino.

Para los amantes del cine de terror o de Roman Polanski, se puede llegar hasta la puerta del Dakota, donde el portero de librea no te dejará entrar...

Lamentablemente, el West Side ha cambiado tanto y yo bailo tan mal, que un paseo por ahí no recordaría a la peli ni en mis sueños... pero, por fortuna, los adoquines tienen el tamaño suficiente para no pisar los bordes, como Jack Nicholson...

Me dejo muchas películas, y seguramente muchos rincones. Pero nadie dice que no podamos seguir viendo películas. Ni viajando...

Intermezzo

2006-12-13T17:43:00.000+01:00

Los contados lectores de este blog (o los muchos que no dejáis comentarios y Borromi, que sí los deja) habréis notado que últimamente escribo bastante poco: en parte el aumento de horas de trabajo y en parte que no se me ocurre gran cosa que decir -lo que, supongo, se extiende a diversas áreas de mi existencia-, más el hecho de que el viernes me piro de vacaciones, hacen que se inicie en 24 por segundo el intermedio... como en las pelis de David Lean, pero, a diferencia de éstas, sin el concurso de sir Alec Guinness.

Espero que tengáis unas cinéfilas navidades y que vuestro año 2006 tenga un final de lo más feliz. En 2007 vuelvo...

Adieu, Monsieur Noiret

2006-11-24T22:15:00.001+01:00

Me lo dijo el Barbas, y no me afectó tanto como cuando me ha llegado la noticia en un mail, que me ha dado una pena tremenda; ya sé que no es plan de identificar a un actor con su personaje, pero dan como ganas de irse a Sicilia a su entierro, porque, qué queréis, yo lo recuerdo como Alfredo, el proyectista del Cinema Paradiso que, por un infortunado accidente, se convierte en Tiresias y sigue siendo un padre putativo para Totò... y un cicerone para el cine.

Noiret empezó en el teatro, siguió en el cine, y volvió al teatro; de hecho, iba a venir a Barcelona con Anouk Aimée, con su última obra dentro de un mes, pero el cáncer se lo ha impedido.

Esta vez, también, nos quedan muchas escenas, con o sin besos...

À tout à l'heure!

El código Hays

2006-11-08T10:00:00.000+01:00

Aunque parezca el nombre de una peli barata, en realidad es una convención de los productores de Hollywood que permaneció vigente desde 1934 hasta los años 60. No lo llaman censura, pero lo era. Así, mientras aquí la Iglesia daba (o no) el nihil obstat, los productores ponían pegas (o no) a unas pelis o a otras.

Principios generales

Ninguna película derribará los estándares morales de los espectadores: no debemos hacer que los criminales y aquellos de comportamiento errático, malvado o pecaminoso sean simpáticos o agradables al espectador.

Se presentarán estándares vitales correctos, sujetos sólo a la tensión dramática y al entretenimiento.

No se ridiculizará la norma, natural o humana, ni se propmocionará que se vea con buenos ojos la violación de la ley.

¿Y en qué se traduce esto?

Aplicaciones particulares

Están prohibidas la desnudez y las danzas sugerentes. No sé cómo califican las piernas de Marilyn en La tentación vive arriba (1955) ¿o desnudez es sólo el torso? ¿O en el 55 no estorbaban tanto un par de jamones?

Está prohibido ridiculizar la religión, y los ministros no pueden presentarse como personajes cómicos o villanos. Esto ha cambiado, claro.

El consumo de drogas ilegales está prohibido, así como el de licor, "cuando no lo requiera la trama o la caracterización adecuada del personaje". Vaya, ¿y para qué otra cosa querrían sacar un tío metiéndose, si no es por el interés de la trama, o para presentar al personaje?

No presentar explícitamente métodos para la comisión de crímenes. O sea, que si hacen alunizaje en una joyería, pueden decirlo, pero no mostrarlo, e idem para butrones y otras prácticas con fines ilícitos...

Están prohibidas las referencias a "perversiones sexuales" (como la homosexualidad) o enfermedades venéreas, así como la representación de partos. Lo del parto tiene que ver, supongo, con lo de no representar desnudos, dado que los bebés salen de donde salen... y como salen. Lo de la homosexualidad (al loro con la categorización que le dan), daría lugar a escenas de tensión sexual no resuelta, como en Rebelde sin causa (1955, este año debieron de darle sudores a más de uno).

Están prohibidas palabras y frases que se consideraban ofensivas. Los guiones eran mucho más ingeniosos, ¿cómo insultas sin sonar ofensivo?

Las escenas de crimen han de filmarse de manera que no fomente la imitación fuera de las salas de cine, y los asesinatos criminales no deben mostrarse con detalle. No se justifica la venganza. Siempre hay algún cabeza de chorlito que imita lo que ve en el cine, pero, desgraciadamente, la vida suele superar a la ficción...

Se encomiará la santidad del matrimonio y el hogar. Las películas no darán que pensar que formas rastreras de relación sexual se aceptan como normales. El adulterio y el sexo ilícito, aunque a veces se reconozcan como necesarias para la trama, no puede ser explícito o justificarse o no han de presentarse como una opción atractiva. Entonces, me pregunto: ¿el final de Casablanca (1942) fue un acierto, o una imposición del código?

Están prohibidas las muestras de mestizaje. Si os fijáis, en Matar un ruiseñor (1962) plantean la posibilidad de mestizaje (el reo negro y la chica blanca), aunque, por motivos más o menos obvios, no te muestran nada, aunque el código ya empezaba a oler; en Adivina quién viene esta noche (1967), sacudiéndose ya el código de la chaqueta, presentan un futuro matrimonio mestizo: la lucha por los derechos civiles fue en esa década, y el celuloide tenía que reflejarlo, a pesar del código de marras...

No se presentarán "escenas de pasión" cuando no sean esenciales para la trama. Se evitarán los "besos excesivos y lascivos", así como cualquier otro tratamiento que pueda "estimular elementos básicos y poco elevados". Nada de besos a la francesa, vamos...

La bandera de los Estados Unidos se tratará con respeto, así como los pueblos y la historia de otras naciones. Los pueblos de otras naciones: por eso en los westerns nunca salen chinos explotados construyendo el ferrocarril. Por no hablar de los mexicanos... tratados con respeto, como los Malos De Los Westerns, cuando no haya indios.

Los asuntos vulgares, definidos como bajos, asquerosos, displacenteros, aunque no necesariamente malvados, se tratarán bajo los dictados del buen gusto. La pena capital, la aplicación del tercer grado, la crueldad con niños o aninales, la prostitución y las operaciones quirúrgicas se tratarán con sensibilidad similar. Qué añadir a esto...

En fin, este código vio el final de sus días hacia los sesenta, cuando se implantó el modo "calificación por edades": puedes poner lo que quieras, pero te reduciremos el número de gente que pueda verlo...

Lo que no vemos I

2006-11-07T14:59:00.001+01:00

Contaba Billy Wilder que, cuando rodaba Con faldas y a lo loco, Marilyn Monroe era de lo más informal y aparecía cuando estaban a punto de cerrar el set e irse cada uno a su casa, razón por la que se cabreaba con la diva. Ella, que por aquel entonces estaba casada con Arthur Miller, lo acusó de crueldad mental. Él, que si se muerde la lengua se envenena, respondió que crueldad mental la suya con el equipo.

Más tarde, cuando vio el resultado, no sólo en celuloide, sino la respuesta del público, se dio cuenta de que a éste le traían mucho al pairo las desavenencias de un rodaje, mientras el resultado fuera impecable...

Asesinato en el Orient-Express

2006-11-01T23:42:00.000+01:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Cuando Agatha Christie escribió la novela, estaba conmocionada, como tanta gente, por el caso Lindbergh y, a su manera, se vengó de los secuestradores del bebé del famoso aviador.

Cuando Sidney Lumet adaptó la novela, se rodeó de joyas de la interpretación, de manera que es una delicia ver a Gielgud, a Albert Finney (que es Poirot), a Sean Connery, a Tony Perkins, a Rickard Widmark, a una porcelanosa Jacqueline Bisset, un jovencísimo Michael York, Vanessa Redgrave y esos dos monumentos interpretativos que son Lauren Bacall e Ingrid Bergman.

Porque la historia en sí es casi anecdótica: lo realmente delicioso de esta peli son los tête-à-tête, con unas frases memorables y unas interpretaciones de manual. (Si no la habéis visto, la recomiendo en VO). Una de las mejores escenas, en la que ves el talante de los distintos actores, es la del apuñalamiento. Claro, los habrá que esperen a ver cómo las gasta Tony Perkins, que saltó a la fama puñal en mano, pero ver cómo cada uno adapta sus dotes interpretativas al papel, es interesante. Especialmente sir John Gielgud, cuyo mayordomo shakespeareano es antológico. Un divertimento, sin duda.

El guateque

2006-10-17T18:34:00.000+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Da la impresión de que hay películas que tienen que gustarte o si no parecerá que eres una cinéfila de pega, o una pedante, como si las etiquetas condicionaran el gusto. Aquí va mi verdad sobre El guateque: me pareció un soberano pestiño.

Hrundi V. Bakshi (Peter Sellers, para cuyo lucimiento exclusivo Blake Edwards perpetró la cinta), un indio que quiere ser actor, comete un error garrafal en un rodaje (una de las pocas escenas con gracia, junto a la del zapato en el estanque), por el que cava su propia fosa en el mundo del celuloide (en Hollywood aún no se sabía que existía Bollywood). No obstante, por un error administrativo, es invitado a una fiesta que da el directivo que lo ha condenado al paro perpetuo. La película muestra el periplo de Bakshi en el guateque que da título a la peli.

Dicen que la risa va por barrios, pero es posible que también vaya por épocas; creo que buena parte de la comicidad un tanto lisérgica de esta película caducó en 1970 o poco después, o tal fue mi impresión. No es que pretenda echar por tierra el talento interpretativo de Peter Sellers, fuera de toda duda, pero es que nunca me han hecho gracia las películas sobre los errores de personajes en desventaja (y Bakshi aquí lo está).

El colmo de mi muermo llegó con la escena del elefante, en la que enjabonan la casa entera y el indio Bakshi (está muy bien caracterizado) intenta dar algo de dignidad al animal. O yo estaba con un estado de ánimo impropio para ver la película, o pertenece a una época en la que estas cosas hacían gracia. Siento mi cinismo, pero me inclino por esto último.

Hattori Hanzo

2006-10-11T11:32:00.001+02:00

De todos los personajes que aparecen en Kill Bill, tanto 1 como 2, mi favorito es Hattori Hanzo, el espadero más famoso y legendario desde que el conde de los seis dedos mató a Domingo, padre de Íñigo Montoya.

Su fuerza está en lo que no nos cuentan: una rubia entra en un bar y vacila/coquetea con el expendedor de sake. Ni la rubia quiere aprender japonés rudimentario, ni el barman es lo que parece, y eso nos lo muestran rápido: la chica quiere una de las legendarias espadas de Hattori Hanzo: quiere matar a una rata muy grande.

Sonny Chiba como Hattori Hanzo

En seguida queda claro quién es esa rata: Hanzo-san escribe su nombre en la polvorienta ventana. Y ahí reside la fuerza del personaje: lo que no nos cuentan. Un espadero retirado hace treinta años odia tanto a una persona que decide volver, por una vez, a ejercer su arte, para luego seguir sirviendo licores. No sabemos por qué lo dejó ni sabemos qué hizo la enorme rata para que volviera. Y es ese vacío (de conocimiento, no de motivaciones) lo que me hace valorarlo como el personaje más interesante de las dos películas.

La película del jueves: United 93

2006-10-06T19:31:00.000+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Cuando te metes a ver United 93, ya sabes cómo acaba, por lo que tiene mérito que, a pesar de todo lo que se ha hablado de ese día aciago no sólo para la aviación civil, te atrape la película: los spoilers los pusieron los noticieros hace cinco años.

¿Y cómo hacer para dar cierta tensión dramática? Por un lado, con las conversaciones insustanciales que, en un momento dado, todos podemos tener con nuestros compañeros de trabajo: cuando pones cara y un trasfondo a las víctimas piensas en que tenían una vida, más o menos próspera, truncada por unos individuos que, desde luego, no se parecen a su hacedor en lo de misericordioso.

Esto, su total inopia de lo que les va a pasar -nadie concebía lo que ocurriría ese día-, más el desasosiego entre los controladores aéreos y los militares al no saber qué está ocurriendo, por qué se pierden los aviones en sus pantallas, y luego las escenas del secuestro, más el hecho de que sabes lo que ocurrió, desde luego crean gran tensión dramática.

Para quien no lo sepa y no haya huido de la amenaza de spoilers, éste es el vuelo en el que los pasajeros se rebelaron contra sus captores: lo peor de la película es que por un momento parece que vencerán, pero la Historia, a pesar de la tensión dramática, habla en su contra. Y sales con la sensación de que es tan injusto que al final no hubiera de veras una vuelta de tuerca aquel día... cuando oyes aquel Allah akbar -porque aquí los terroristas sí hablan en su lengua entre ellos, gracias por el realismo verosímil-, sabes que realmente todo está perdido, y no puedes evitar lamentarlo.

Para no verla cuando se está triste o dentro de poco se va a coger un avión: sales del cine con gana de pocos ruidos.

Meryl & Jessica

2006-10-05T00:38:00.002+02:00

Hoy hablamos de dos actrices mayúsculas, pero a las que Hollywood no ha tratado todo lo bien que debería por el mero hecho de ser mayores; dos actrices sólidas y sin estridencias ni sobreactuaciones.

Meryl Streep

Alguna vez dije que se ve a un buen actor por cómo mira: la carrera de Meryl bien vale la mirada que dirige a Dustin a punto de coger el ascensor en Kramer contra Kramer. Sin embargo, yo la prefiero en Los puentes de Madison, un ama de casa que se enamora de un fotógrafo... al que dice que las flores que él le va a regalar son venenosas. Una escena cándida en apariencia, pero en eso reside su fuerza. Su fortaleza reside en su sobriedad, en su no-sobreactuación.

Jessica Lange ha demostrado sobradamente que una percha impecable no es en absoluto incompatible con ser una actriz como un piano. Algunos la recordarán enharinada en la mesa de la cocina junto a Jack Nicholson en El cartero siempre llama dos veces.

A mí me encantó su sobriedad y sentido ético en La caja de música, y me conmovió en Big Fish, cuando, sirena ella, se mete en la bañera vestida con su marido.

Jessica Lange

Pero mientras en Hollywood prevalezcan las pipiolas monas frente a las Actrices Con Mayúsculas, estos dos monumentos seguirán recibiendo papeles menores. Sufridos somos...

Harrison Ford (o cómo dejar que tu carrera caiga en barrena)

2006-10-02T23:39:00.002+02:00

Molestaba cuando se trataba de Michelle Pfeiffer, pero más me molesta ahora que se trata de quien encarnó a mi héroe de adolescencia.

Claro que Harry llegó al estrellato un poco de carambola y gracias a George Lucas: es un chico bricomanía que hacía de carpintero en los sets. Había hecho alguna incursión, pero primero American Graffiti (donde conducía una horrible furgoneta amarilla) y luego Han Solo le llevaron al estrellato... vale decir que llegó a las estrellas montado en dos cafeteras.

Harrison Ford también tiene un papelito en Apocalypse Now...

Lo de Indy también le llegó de rebote, porque se lo iban a dar a Tom Selleck. Suerte que se debiera a su serie Magnum porque así el bueno del señor Ford protagonizó los sueños de muchas. Entre col y col, entre galaxias lejanas y piedras viejas fue metiendo nuevos proyectos que hoy son clásicos, como Blade runner (de lo mejor que ha hecho, objetivamente), Único testigo, Armas de mujer, Frenético o Presunto inocente, hasta que llegó la saga de Jack Ryan, con la que llegó el principio del fin.

Luego llegó el aborto (Air Force one, el avión del presidente), peliculillas menores de policías, que se dejan ver, atisbos de Indy (Seis días y siete noches) y, con Lo que la verdad esconde, la cuesta abajo se hizo acusada, de la mano de Michelle.

Hace cinco años que se habla de la cuarta peli de Indy, pero, como no se den prisa, Harrison Ford será una reliquia del pasado a la que ni Indiana Jones puede rescatar de entre las ruinas...

Tener y no tener

2006-09-30T11:31:00.000+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Lo malo de algunos clásicos es que lo son tanto y aglutinan tanto talento, que te da como vergüenza criticarlos: éste es un claro ejemplo.

Porque si lo miras bien, está basada en una historia de Ernest Hemingway (aunque servidora lo considera más un mito que un buen escritor, si descontamos un par de cuentos) que, fue, por cierto, recortada (en el libro se ve por qué se llama así, en la peli no ves los desposeidos directamente aludidos por ninguna parte); el guión lo escribió un tal William Faulkner, por el que servidora siente verdadera devoción (al menos simpática, desde que vio Amanece, que no es poco); está dirigida por Howard Hawks, uno de los grandes de la etapa dorada. ¿No es suficiente con esto?

No, en realidad no. Porque, a pesar de todo el talento tras la cámara, la verdadera fuerza reside en el dúo protagonista, en la enorme química sexual entre Bogie y Lauren Bacall.

Hasta el punto de que trascendió la pantalla y los convirtió en una de las parejas entrañables, dentro y fuera de la pantalla, de la etapa dorada de Hollywood.

Y tampoco, porque, si descartas la citada tensión sexual, es una versión caribeña de Casablanca: colonia francesa durante la ocupación nazi; el personaje de Bogie está desencantado de todo, pero no es precisamente afín a las fuerzas de ocupación; para colmo, hay un combatiente antinazi que llega allí con una mujer (y, como curiosidad, en un principio pensaban liar a Bogie con la mujer del combatiente) y que debe salir para salvar al mundo. Ah, y gran parte de la acción transcurre en el bar de un hotel. Un constante déja vu en el que los puntos fuertes son la presencia de la Bacall y las morcillas: todas las grandes frases de la película las improvisaron los actores. De alguna manera, es lo que más se recuerda de Tener y no tener: las frases puras, la presencia de Lauren, la química que tiene con Bogie. No se habla de otra cosa cuando uno se acuerda de esta peli, ¿o sí?

Reconocimientos

2006-09-25T00:15:00.001+02:00

El faranduleo y la pantalla da para todo: para grandes reconocimientos y para boutades admirables por lo impensables.

De lo primero dan fe en el festival de San Sebastián, donde han premiado al versátil Max Von Sydow por su carrerón.

Humilde y agradecido, se lo ha dedicado a los que no han tenido su enorme suerte de tener no ya grandes papeles, sino la enorme oportunidad de trabajar de eso, de lo suyo.

Una de las escenas favoritas de Woody Allen: años más tarde la parodió y fichó al chico de la derecha, que ya no era tan joven y estaba a color...

Yo lo recuerdo como impagable haciendo el artista eremita de Hannah y sus hermanas, pero cada cual tendrá su recuerdo de Von Sydow, y ninguno se equivocará, qué queréis que os diga.

De lo segundo hablan aquí: han votado a Keira Knightley, que es muy mona y hace su trabajo de forma digna, como la mayor estrella de Hollywood. Para saber detalles, leed la noticia. La encuesta parece hecha por Yahoo, o sea, igualito que votado con el móvil.

Corleone

2006-09-11T11:58:00.000+02:00

No leer si no se han visto y se está interesado en verlas: puede contener algunos spoilers.

Obviamente, hablamos de Michael. Vito fue importante, pero la trilogía habla de Michael. Lo dejo dicho por si las dudas. Concretamente, habla de su tragedia. Él no quería convertirse en lo que fue, pero los acontecimientos lo obligaron.

Don Vito Andolini de Corleone.

Lo vemos en la boda de su hermana vestido como un héroe de la Segunda Guerra Mundial junto a una chica protestante muy mona, Kay Adams (Diane Keaton), contándole que él no como su familia, no quiere ser como su familia. Mientras, su padre atiende algunos negocios, hace ofertas irrechazables poco antes de unirse a la boda.

No, Michael no quería, pero si intentan matar a su padre, no se iba a quedar de brazos cruzados, algo tenía que hacer: impasible, con una frialdad pavorosa, urde una venganza que lo mantendrá escondido en Sicilia una temporada: medidas que Sonny (James Caan) es demasiado apasionado para tomar y Fredo (John Cazale) digamos... inadecuado para concebir. Cuando vuelve, es otra persona, más duro (ha perdido a Apollonia, su fugaz primera mujer, en un atentado con coche bomba) y con los arrestos para tomar el cargo de la familia, en la que Don Vito queda como consigliere y Tom Hagen (Robert Duvall) sigue siendo el abogado. Sonny ya no está (fue acribillado en un peaje) y Fredo está en Las Vegas, supongo que porque en Nueva York molesta. Sólo puede ser él.

Años más tarde, en Nevada, Corleone quiere conseguir el hito marcado por su padre: hacer de los Corleone una familia respetable, estando, eso sí, él en la cumbre. Pero el poder es muy goloso, y todo el mundo quiere un poco. Incluido Fredo, al que nunca vieron madera de mafioso. Hace tratos con un adversario (por ser discretos) de Michael, y éste lo descubre. La suerte de Fredo será el camino a los infiernos de Michael. No quiere, es obvio que no quiere, pero debe, porque la Familia es más que la familia. Desde el momento en que descubre en Cuba que Fredo se la ha pegado quiere estar lejos de él, como para no empatizar con la víctima. Le avisa: me has roto el corazón. Luego le impide que pise su casa, ¿prohibición o penitencia autoimpuesta? No quiere estar en la misma habitación, pero prohíbe que le ocurra nada mientras viva su madre. En el velatorio de ésta Fredo pide verlo. Un abrazo muy expresivo, como despidiéndose, como aguantándose, enfadado en parte con Fredo porque si no hubiera hecho el memo, ahora no tendría que eliminarlo; enfadado consigo mismo por tener que ser prolijo, ¿no hay otra manera? Aquí no la hay...

Pasan los años, los niños crecen y Michael es todo un prohombre que quiere dejar la mafia (más bien los manejos turbulentos) y parecer un hombre respetable tapando en parte el agujero financiero del Vaticano a cambio de participar en su inmobiliaria.

Las familias neoyorquinas quieren parte del pastel, y la cosa tiene pinta de convertirse en una merienda de negros. Para más inri, aparece un hijo que Sonny le hizo a una de las damas de honor de su hermana: Vincenzo. Tiene el mismo temperamento de Santino: explosivo; vamos, ideal para un Don de la mafia.

Simplemente, Michael.

Vincenzo tiene que oír de su tío lo que su padre oyó de Don Vito: no dejes que los extraños sepan lo que piensas. Treinta años más tarde, parece que Michael no ha aprendido nada: el que te proponga hablar con la otra parte, es el traidor, le había dicho su padre poco antes de morir. El día del entierro de Vito Andolini de Corleone Tessio dejó claro que era el traidor. ¿Por qué en 1979 Michael cree que Altobello, padrino de su hermana Connie, por más señas, va de buena fe? ¿Y quién está detrás de él? Eso lo sabremos en Sicilia, donde Vincenzo llega a Don y Michael se da cuenta de todos los manejos, de todo lo que ha perdido, incluyendo a su hija...

Fuera de los detalles argumentales, debo decir que la primera es mi preferida de las tres: la más redonda y la más sutil. Confía en la inteligencia del espectador y le regala escenas sutiles (Michael y Kay van a tomar una copa juntos como símbolo de reconciliación, Michael no es tan malo y todo aquello; Kay se va a preparar la copa y de lejos vemos, nosotros y ella, cómo a Michael, al Don le besan la mano. Comprendemos, nosotros y ella) y otras escenas inclasificables, delicadas. Mis favoritas:

el cortejo en Sicilia, cuando Michael inicia el acercamiento a Apollonia, tras quedarse deslumbrado al verla. Sutil como la seda.
El momento en que Tom Hagen (Robert Duvall es esencial en la trilogía, su ausencia en la tercera se nota) tiene que dar a Don Vito la noticia de la muerte de Sonny. Brando y Hagen tienen un tête-a-tête que es oro molido.
La escena en la que Don Vito llora la muerte de Sonny en el depósito. Sabes que tanto Santino como Vito son dos cabronazos, pero Brando conmueve.
La muerte de Vito Corleone. Vemos a un anciano que, a pesar de sus crímenes, juega con su nieto, (bueno, primero le da un susto que para qué las prisas), lo manda a regar y muere en el jardín mientras el niño, Tony, pasa por entre las plantas, regando, ajeno a lo que pasa.
El montaje final, tan cínico: Michael renuncia a Satanás en nombre de su ahijado, mientras en el suyo propio sus sicarios matan a sus enemigos. Renuncio a Satanás y a sus obras, Moe Greene disparado en el ojo. Pero no en plan lúdico festivo, como lo haría Tarantino y, sobre todo, sus copiadores, sino con la gravedad de una ceremonia.

La segunda tiene el aliciente de la historia del joven Vito, que es Robert de Niro, que está contenido como pocas veces (Brando marcó la línea de actuación, es cierto, pero de Niro, cuando se pone, hasta imita el dialecto siciliano, como es el caso). La otra es la relación entre Michael y Fredo, que tiene parte de la magia de la primera, que no, aunque tuviera más Oscars (quizás no tuvo frente a sí Cabaret en el Dorothy Chandler Pavilion).

La tercera es un tremendo error de reparto. Para empezar, Robert Duvall pidió aumento de caché, y prefirieron matar al personaje. Adiós a la contención. El Pacino exagerado que se había contenido en las otras dos reaparece aquí. Viva la sobreactuación.

¿Dónde está Tom Hagen en la tercera?

Quizás para suplir el gran error de Coppola al meter a la pobre Sofia, su hija, que fue denostada por toda la crítica por, sencillamente, no saber ni modular la voz.

Lo mejor de la tercera es la muerte de Michael, ya viejo, solo, sin poder, temido y no querido, en la casa de don Tommasino, en Sicilia...

PD Se me olvidan un punto fuerte de la peli y una curiosidad para frikis:

La banda sonora, todo un clásico del género, está compuesta por Nino Rota.
En El padrino II el papel de Hyman Roth (un adversario de Michael) está interpretado por el mismísimo Lee Strasberg, en su día maestro de los tres padrinos (entre otros): Marlon Brando, Al Pacino y Robert de Niro.

Celuloide contra Thatcher

2006-09-06T13:11:00.001+02:00

Las ideas de Margaret Thatcher respecto a la industria pesada y las minas del Reino Unido dieron lugar al cierre de la siderurgia y de muchas explotaciones de carbón... y años más tarde a algunas películas que mostraban la consecuencia de estas políticas. Pero una crítica político-social que no venga sostenida por una historia es un panfleto...

Full Monty
Sheffield. La siderúrgica cerró, dejando a muchos obreros sin cualificar en la calle. Uno de ellos, un pendón verbenero, necesita pagar una cuantiosa pensión para poder ver a su hijo. Tal es su desesperación, que se le ocurre un plan, en apariencia descabellado, para los planes que persigue: se convierte en stripper, y convence a otros cinco para que también lo hagan.

La película tiene escenas divertidas (como la del video, que es la de la cola del paro), aunque tiene un trasfondo muy triste... y un final esperanzador.

Esta película fue todo un fenómeno social: diversos colectivos hacían full monties para reivindicar las causas más diversas. En España se rodó, en la misma línea pero con menos éxito, Se buscan fullmonties: la escribieron inspirados por un anuncio del periódico que buscaba exactamente eso... ¿o algo más?

Billy Elliott
Norte de Inglaterra. Hay una gran huelga de mineros ante la posibilidad de que cierren la fuente de riqueza de la zona. En este entorno vive Billy Elliott, que descubre que le gusta más y se le da mejor bailar que boxear. Tanto es así, que lo considera como una posibilidad vital... si su padre se lo permite.

La escena del video es aquella en la que intenta convencer a su padre con bellos argumentos.

Es una película más tierna que cómica, pero recomendable si gustan las de baile.

Brassed off (Tocando el viento)
La mina está a punto de cerrar, pues no es viable. ¿Qué pasará entonces con la banda de la mina? ¿Quién es la chica nueva que toca el trombón? ¿Qué ha venido a hacer? ¿Ganará la banda el concurso nacional de bandas de minas?

Un entretenimiento simpático, aunque se hace un poco raro ver una banda que no toca pasodobles...

Alatriste

2006-09-02T12:59:00.000+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

En primer lugar, debo decir que yo no estaba familiarizada con el personaje creado por Arturo Pérez-Reverte, por lo que llegaba totalmente de nuevas a ver una película de capa y espada. Sí sabía que Diego Alatriste (Viggo Mortensen) era un excombatiente del tercio de Flandes durante las guerras imperiales que España libró por aquellos gélidos lares. Ya de vuelta al Madrid del siglo XVII, vive como mercenario para el mejor postor en trabajitos del más diverso pelaje y se granjea amistades y, sobre todo, enemistades. Sin embargo, en su última misión a Flandes -y que es la primera secuencia de la película-, un compañero muere y le encomienda el cuidado de su hijo, Íñigo de Balboa, del que su padre quería hacer un bachiller, y no un soldado (la vida se encarga de ayudarnos a opinar).

No quiero destripársela a nadie, así que...

Lo mejor: Las escenas de peleas y batalla (aunque en cierta acometida ecuestre da la impresión de que faltan caballos), auténtica cruz del cine español; la recreación histórica (lo que incluye un inmisericorde retrato social de la España de entonces) y la fotografía tenebrista, a la manera de la pintura de la época; el personaje de Alatriste -especialmente su relación con la actriz María de Castro-; Quevedo (interpretado por Juan Echanove, lo que regala algún estupendo recitado); la interpretación de Javier Cámara (el conde-duque de Olivares), Enrico lo Verso (Malatesta) y Eduard Fernández (Sebastià Copons).

Lo peor: Pasa a vuelapluma por los cinco libros de la serie, de manera que a veces queda como deshilada.

El montaje del director (director's cut)

2006-08-22T09:10:00.001+02:00

Creo que fue Ridley Scott el que abrió la brecha de los montajes del director, cuando sacó -gracias a su distribuidora- el montaje que él hubiera querido para su obra maestra Blade runner: en este caso, la película cobró un nuevo sentido que no tenía antes, por lo que el cambio sí tuvo razón de ser, si bien muchos vieron un filón (en concepto de derechos de autor, entre otras cosas, supongo) y se lanzaron a sacar escenas extra o mejoras de las mismas (o de sus efectos especiales) a mansalva.

Supongo que se vio que ni era tanto negocio ni realmente las películas ganaban en calidad el día que Giuseppe Tornatore sacó el montaje del director de Cinema Paradiso, una de las pelis favoritas de ésta que escribe: alguien se debió de dar cuenta de que a las pelis redondas no hay que añadirles escenas, porque lo más probable es que las estropees irreversiblemente.

De puntillas por los musicales

2006-08-17T18:23:00.001+02:00

Comenta Jesse que no hablo de musicales (bueno, apenas); a mí me gustaría hablar de grandes joyas como My fair lady, Cantando bajo la lluvia o West Side Story, que es de lo mejor, sin paliativos, que ha dado el género (aunque Bob Fosse bordó Cabaret, de la que sí he hablado). Pero es que me entra una especie de modestia cuando me planteo hablar de las tres citadas obras de arte. Así que voy a pasar de puntillas por encima...

1. My fair lady

Está basada en Pigmalión, de George Bernard Shaw. En ella, el caballero Henry Higgins (Rex Harrison) se propone hacer una dama de la florera cockney Eliza Doolittle (Audrey Hepburn, que lo hace tan sumamente bien, que habría que poner su nombre en versales). Por si estos nombres no le dicen nada, recuerde que es de George Cukor. Si la gran Audrey no ganó el Oscar, fue por una futilidad: la doblaban al cantar. Como curiosidad, se lo dieron a Julie Andrews por Mary Poppins: Julie sí cantaba, pero no es, ni de lejos, tan buena actriz.

Una de las escenas más recordadas de esta peli es la de Ascot, que ha sido torpemente copiada en Pretty Woman e insinuada en Evita, de Alan Parker (aunque creo que sin caballos).

Las canciones son conocidas e, incluso para los no-flipados de los musicales, no estorban.

2. Cantando bajo la lluvia
Éste es, a mi juicio, el mejor musical de la historia. Es de ésos que captan al espectador y no lo sueltan. Claro que, principalmente, es culpa de Gene Kelly (de acuerdo, Stanley Donen no estaba de florero).

En 1927, El cantor de jazz revolucionó el cine: era la primera película sonora. El hecho de que los personajes hablen y que la música no la ponga un pianista al fondo de la sala nos parece hoy cotidiano, pero entonces supuso una crisis en Hollywood -que es donde más se ha tratado el tema- y dio lugar a El crepúsculo de los dioses o ésta.

Una gran estrella está a punto de desaparecer, tan pronto se descubra que tiene una voz horrible; Don Lockwood, Cosmo Brown y Kathy Selden llegarán al rescate entre números musicales cautivadores (el de Good morning es célebre), logrando esa maravilla única paraguas en mano que da nombre a la peli.

La única pega se la pongo al número final, que a mi juicio se alarga demasiado, aunque Cyd Charisse disuadiría a cualquiera.

3. West Side Story
Hablé de esta película -también de puntillas, como ahora- cuando dediqué aquel post a las adaptaciones de Romeo y Julieta, pero me seguía sintiendo incómoda, porque esta película merece más atención... y yo sigo sin dársela.

West Side Story rompe una convención del musical que luego se ha dado más a menudo: el final feliz. También entra en la era del color lisérgico (a pesar de ser de 1961) que tanto abundó en los sesenta, no sólo por la psicodelia, sino por las nuevas técnicas que se iban incorporando al Séptimo Arte.

Esta revisión de Romeo y Julieta con gringuitos y portorriqueños presenta aportaciones y traslaciones interesantes (fray Lorenzo es Doc, el jefe de Tony; la escena en la que los Montescos se pitorrean del ama ya no es al principio, sino cuando la tragedia ya se masca hacía rato; el príncipe no destierra, sino que es un poli que directamente quiere a los morenos fuera, bien lejos). Y también aporta la estupenda música de Bernstein, que roza el virtuosismo en el Quintet previo a la pelea (tema de tonight a cinco voces; no me refiero a cinco gargantas, sino intereses: románticos de Tony y María, lujuriosos de Anita y manifiestamente broncas de Jets y Sharks), pero que es más recordado por María o América -me encanta el número de la azotea-.

Es una película, ya lo he dicho, que puedo ver -y he visto- veces y veces, pero parece que nunca juntaré arrestos para hablar de ella largo y tendido en 24 por segundo...

El perfume de Yvonne

2006-08-08T18:49:00.000+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Aunque según el cartel uno afirma que es la mejor película que vio ese verano, si no ese año, yo no puedo decir lo mismo: recuerda mucho a otras películas que ya hemos visto, con otros actores, en otras localizaciones. Pero el resto, personajes, situaciones, es muy parecido.

Es la vieja historia de chico conoce chica, se enamoran -o se encoñan, más bien: el amor es una excusa- el tío se pilla de más, ella es una fatua y un poco comehombres y tienen una alcahueta que es un hombre mayor que va por la otra acera, y está narrada en flash-back. ¿Os recuerda a alguna que ya hayáis visto?

Lo mejor: La escena del concurso de coche + gachí; el perro con saudade (o melancolía portuguesa); la dirección artística y la banda sonora (dos de los puntos fuertes de Laconte).

Lo peor: Lo previsible de la historia.

El castillo ambulante

2006-08-06T16:04:00.000+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

Antes de nada, y por vuestro bien, espero que no tengáis prejuicios contra las películas de dibujos animados, porque en este caso os perderíais una de calidad.

Sophie es la huérfana de un sombrerero que, por azares, topa con Howl, habitante -dueño- del castillo ambulante. La noticia llega hasta la Bruja del Páramo, a la que encanta robar el corazón de jovencitos, y que le echa una maldición con recado para Howl, y la convierte en nonagenaria. Sophie parte en busca de Howl y su castillo pidiendo ayuda, pero no cuenta con que es ella quien pondrá orden -y no sólo en sentido físico y literal- en el castillo y en sus habitantes.

Me gustó mucho que sacara dos de mis fantasías infantiles: una puerta que da a distintos sitios y la posibilidad de que una estancia se convierta en otra por arte de birlibirloque, todo ello sin faltar al espíritu de la historia.

En uno de los extras del DVD el director, Hayao Miyazaki (autor de El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke o Porco Rosso entre otras dieciocho además de ésta), visita Pixar, y Lasseter, ampliamente honrado con su presencia, dice una cosa con la que estoy de acuerdo: generalmente, en una película hay una, dos ideas nuevas. Miyazaki presenta multitud de ellas. Todo ello, dicho sea de paso, con una presentación exquisita. Me dejó tan maravillada como sólo las buenas películas pueden. Que el dibujo animado no os des-anime*.

* Es un chiste malo en un buen calambur: el anime es el dibujo animado japonés.

Mejor imposible (As good as it gets, 1997)

2006-08-01T15:11:00.000+02:00

No leer si no se ha visto y se está interesado en verla: puede contener algunos spoilers.

En la lista de comedias inteligentes del anterior post, bien habría podido incluir ésta de la que os voy a hablar hoy, Mejor imposible. El protagonista es Melvin Udall (Jack Nicholson), un escritor de éxito con un transtorno obsesivo compulsivo (TOC) que lo convierte en alguien alérgico a cualquier cambio: cualquier cosa que afecte sus hábitos, principalmente los higiénicos, lo pone de los nervios y terriblemente agresivo. Viendo esto, una piensa que Jack Nicholson, el bueno de Jack, él solito, ha interpretado medio vademécum de salud mental a lo largo de su carrera...

Su esterilizada vida cambia cuando empieza a interaccionar -a regañadientes, vale- con su vecino Simon Bishop (Greg Kinnear) y, sobre todo, con su perro, Verdell; no hay mayor enemigo del cambio que el miedo al mismo, y, para evitar que su vida cambie, Melvin, a lo tonto, va cambiando sus hábitos (hasta el punto de pagar un médico al hijo de la camarera para que ésta no falte al trabajo y lo atienda) y profundizando en sus relaciones tanto con Simon Bishop como con la camarera Carol Connelly (Helen Hunt), librándose de toda la coraza que lo convertía en un perfecto imbécil para ser una persona que sorprenda a quienes lo conocían como un monstruito.

Esto, que en clave de drama hubiera sido un correr de pañuelos, se convierte en un filme tremendamente inteligente, añadiendo la ventaja de tres actores en estado de gracia (que no han vuelto a tener tanto acierto ni un papel tan goloso desde que rodaron la que nos ocupa) y una de esas comedias que, sin duda, resistirá más que estoicamente el implacable paso del tiempo.

Comedias con adjetivo

2006-07-28T16:25:00.001+02:00

El cine tiene que ver con el entretenimiento, y, dentro de los géneros, el de la comedia tiene cierta preeminencia, entre otras cosas porque para amargarse ya está la vida. Sin embargo, cuando les añadimos adjetivo, los resultados suelen ser diversos, y no siempre buenos. He aquí un breve inventario de los diversos tipos de comedia que pululan por nuestras pantallas, grandes y chicas:

Comedia hormonada. Sólo tiene gracia cuando tienes entre trece y quince años. Un clásico de este tipo es la saga Porky's o American Pie. Se distingue por guiones por demás absurdos (como la de La chica de al lado, sobre una estrella porno que se hace vecina de un adolescente perdedor y con granos), chicas con poca ropa, vocabulario procaz y relativo al sexo, y sólo pueden verse con coetáneos, nunca con tus padres. Este tipo de pelis es eterno, porque siempre habrá adolescentes.

Comedia romántica. En realidad, sólo es comedia porque suele acabar bien, pero por lo general sólo contiene uno o dos chistes a lo largo de la cinta, y no siempre tienen gracia. Sin embargo, hay honrosas excepciones, como Cuando Harry encontró a Sally o incluso Cuatro bodas y un funeral. Suelen estar protagonizados por Meg Ryan o Julia Roberts, quienes, por cierto, me ponen negra.

Comedia de acción, en la variante cachitas que hace gracia (las de Chuachenéguer, por ejemplo) o en la variante patoso se mete en berenjenal, donde Martin Lawrence, con esa gracia inexistente que Dios le dio, hace el tonto durante dos horas a seis euros la entrada. Las odio, ¿se nota?

Comedias que parodian otras películas. Los Zucker-Abrahams iniciaron este tipo con Aterriza como puedas, Hot Shots, Top secret o incluso Baseketball. Hay que tener cierto ánimo para verlas, y tener en cuenta que no todas tienen la misma gracia.

Comedias inteligentes. Hoy se hacen pocas, pero clásicas hay un montón: Historias de Filadelfia es un precioso ejemplo de ello. Yo incluiría aquí las de Woody Allen, al menos las primeras y aquellas en las que no homenajea a Ingmar Bergman.

Comedias involuntarias. Éstas se dan la mano con la tragedia: cuando los efectos son un desastre, la trama una memez sin paliativos y los actores pedazos de carne con ojos, cuando, en definitiva se busca otro género y se encuentra la comedia, para horror del productor...

En fin, seguro que encontráis más, e incluso varios ejemplos de cada una...

Michelle Pfeiffer (y su molesta decisión)

2006-07-12T11:21:00.002+02:00

Hace años cogí manía a esta estupenda actriz porque decidió hacer sólo filmes que pudieran ver sus hijos.

Empezó a hacer no muchas películas, ni muy buenas, en el mejor de los casos, pasables. Así, se me ocurre que sus hijos quizás no quieran ver jamás Historia de lo nuestro (The story of us, Rob Reiner, 1999), más que nada porque entre ver a su madre hacer cosas chocantes y aburrirse mortalmente, probablemente prefieran lo primero.

De todos modos, si una revisa su filmografía, se dará cuenta de que tiene algún taquillazo que otro, pero que, salvo Lady Halcón, Las amistades peligrosas y La edad de la inocencia, esta chica tiende al dramón para ver después de comer. Vale, están Batman vuelve, Scarface (el precio del poder) o El año que vivimos peligrosamente, pero la cabra acabó tirando al monte y haciendo marujadas de alto presupuesto. En fin, una pena.

Un finde con Indy

2006-07-09T22:47:00.000+02:00

No leer si no se han visto y se está interesado en verlas: puede contener algunos spoilers.

Este fin de semana me he regalado una sesión triple de Indiana Jones. No es lo mismo ver la trilogía con quince años que con treinta, pero hay que admitir que ha resistido el paso del tiempo bastante bien -amén de que se nota alguna que otra transparencia-. Así que hoy voy a hablar de mi héroe de adolescencia, Henry Indiana Jones, doctor en arqueología.

Indy, a pesar que de todo sabe seis, y en las lenguas más dispares, en realidad se comporta más como un ladrón de tumbas que como un académico. Para tres encargos gordos que tiene (el arca de la alianza, las piedras de Sankara y el Santo Grial), sale con las manos vacías y hecho un ecce homo.

El cartel de En busca del arca perdida, con sus dobleces.

La trilogía de Indiana Jones es un intento de George Lucas y Steven Spielberg por recuperar las viejas pelis de aventuras, con malos malísimos, un bueno que es tan bueno que supedita la salvación al personal a su carrera -y que es Harrison Ford en sus mejores días- y aventuras por los cuatro continentes (que en Oceanía nunca se le ha visto). Siempre tiene un sidekick y una chica, aunque en En busca del arca perdida ambas funciones coinciden.

En la citada peli del arca se encuentra con un encargo más o menos oficial para ir a buscar el Arca de la Alianza que aparece en el Antiguo Testamento; en la del templo maldito le cae un marrón de manual, cuando, huyendo de unos mafiosos chinos, cae en una aldea india devastada porque les han robado una piedra mágica; en la tercera, por ir a buscar a su padre, que ha desaparecido, se encuentra con el copón bendito, literalmente. Porque sus misiones, más o menos buscadas, tienen que ver con elementos sagrados de los que intentan beneficiarse organizaciones sin escrúpulos para dominar el mundo. Y aunque Indy es un descreído, allá se lanza, sin red. Si se puede llevar la reliquia, mejor que mejor. Si no, ni modo.

Entre unas cosas y otras, gracias a la pericia de Indy, la magia de las joyas arqueológicas se vuelve contra los malvados imperialistas; para el caso, tampoco Indy se las podrá quedar: el gobierno deja el arca pendiente de estudio en un almacén petado; devuelve la piedra Sivalinga a la aldea de la que fue robada y el grial se pierde en la sima para que venga cualquier Dan Brown de medio pelo a forrarse con él.

A Indy le han surgido también algunos imitadores: después de la del templo maldito, sacaron una película con Richard Chamberlain (El pájaro espino) y una jovencísima Sharon Stone: Quatermain y las minas del rey Salomón. Un héroe a la usanza de Indy -aunque el conocimiento lo ponía la chica- lo trajeron con La momia, que también era un remake, aunque Arnold Vosloo no sea Boris Karloff. Hicieron la segunda parte y una precuela, y no siguieron dilatando la idea.

Curiosidades

En todas hay un guiño a Star Wars: el avión que salva a Indy en el Amazonas en En busca del arca perdida tiene por matrícula 3-CPO (como C3PO, o casi); el club del principio del templo maldito se llama Obi-Wan; en la fiesta de Donovan suena la música del western galáctico, en la última cruzada.

En En busca del arca perdida hay un guiño a El diablo sobre ruedas cuando ve el camión por el retrovisor (¿el mismo director? Esa escena fue rodada por uno de los asistentes, si he entendido bien los extras).

Harrison Ford se llevó´a la mujer de Spielberg en el rodaje del templo maldito; a cambio, Spielberg se quedó a la chica de Indy y se casó con ella. (Vale, esto es cotilleo...)

Spielberg deseaba hacer una peli de Bond, pero no le dieron el proyecto: se resarció en la última cruzada: Connery había sido 007, Alison Doody había sido chica Bond y Julian Glover había sido villano Bond. Si Bond no va a la montaña (del juego, tal significa el apellido de Stevie), la montaña va a Bond...

Curioso el guiño al arca perdida en la última cruzada: hasta Johnny Williams introdujo tres compases de la banda sonora de 1981.

Se supone que al comienzo de la última cruzada nos cuentan por qué odia las serpientes, por qué se hizo la cicatriz (obviamente no fue un latigazo, sino un accidente de coche) y de dónde sacó su sombrero. Harrison Ford eligió a su yo adolescente: River Phoenix, que fue su hijo en La costa de los mosquitos. El perro de la raza Alaska Malamute que aparece es de la misma raza que Indiana, un perro que tuvo George Lucas, y que bautizó a Indy. Como dice Sallah, le llamaron como al perro.

No sé si es el látigo, el cuero, el doctorado o la cara de Harrison Ford...

La escena en que papá Jones espanta a las gaviotas (que en realidad son palomas, porque las gaviotas no hay Cristo que las adiestre, con o sin grial) fue rodada en Cabo de Gata, Almería, España.

Las escenas del cañón de la media luna y la cueva del grial se rodaron en Petra, Jordania, con el permiso y apoyo de Hussein y Noor de Jordania; la prensa, con bastante mala uva, difundieron el bulo de un rollo entre Noor y Sean Connery (esto lo leí en la memorias de la reina Noor).

Spielberg hizo su incursión en el musical con la escena inicial del templo maldito. Aunque no lo parezca, se resarce en El color púrpura. También en el palacio de Pankot hay número de baile, aunque no sea exactamente Bollywood.

Todas comienzan con una montaña igual que la de la Paramount: una en Sudamérica, otra en el gong chino y la tercera en Utah.

Acabo este luengo post con un trailer de la edición en DVD de la trilogía. Al loro, que sale mi escena favorita, con el Indy en plan Lawrence de Arabia en el pozo de almas y la luz del sol iluminándole la cara...

Este pack me lo regaló mi Barbas en el primer cumpleaños que tuve viviendo juntos. ¿Casualidad? Lo sacaron antes un día o dos antes del cumple...

Pequeñas herejías de celuloide

2006-07-06T23:34:00.001+02:00

Cuando una se acuerda de los pollos que se montaron con La última tentación de Cristo de Scorsese, La vida de Brian de los Monty Python o, más recientemente, El código da Vinci de un tándem del que mejor ni me acuerdo, piensa, ¿cómo pasaron dos pequeñas herejías, relacionadas con el dogma (y no el del cine nórdico precisamente), en estas películas?

Superman

Aunque tiene el atenuante de que su planeta está a punto de pasar a la historia de la astronomía, el papá de Supermán, encarnado por Marlon Brando, manda al joven Superbaby a la tierra con el eslogan os envío a mi único hijo. Ahí es nada. No sé si podemos hablar del Altísimo, porque ignoro cuánto medía el bueno de Marlon, pero ahí, mandando en forma de estrella de Belén a su unigénito a la Tierra, donde hace el bien... ¿dónde he oído esto antes? Se lo encuentran dos amables granjeros (el padre putativo es aquí nada menos que Glenn Ford, famoso por abofetear a Gilda) que lo crían como a un niño normal... Si llega a caer en Tel Aviv, ¿habrían considerado algunos la llegada del Mesías?

Star Wars I: la amenaza fantasma

Anakin Skywalker es hijo de madre soltera. Es un pequeño esclavo en el planeta de Tatooine (secuencias rodadas en Túnez, en el mismo set en el que se rodó la vida de brian). Un día llega un jedi con una chica muy mona y un androide que hace ruido, y la madre de Anakin, (Pernilla August, habitual en pelis de Ingmar Bergman) confiesa al jedi (Liam Neeson) la partenogénesis del chaval: no hubo padre, lo engendraron los midiclorianos. ¿Así se llama el espíritu santo, en la era tecnológica?

¿En qué pensaba el gabinete de prensa de la iglesia ante dos alusiones tan directas? Eso sí que es un misterio, y no el de la Santísima Trinidad...

El cine como herramienta de reclutamiento

2006-06-22T11:21:00.001+02:00

No sé si habéis visto un capítulo de Los Simpson en que forman un grupo de música auspiciado por la Marina para, mediante una canción con texto subliminal, conseguir que la gente se alistara al citado cuerpo del ejército gringo.

Sin embargo, en el cine ya se había tanteado el tema propagandístico -más o menos patrocinado- para tal fin. No citaré El triunfo de la voluntad de Leni Riefensthal, claro ejemplo de lo que ocurre cuando una herramienta propagandística mayúscula se une con una buena cineasta, sino dos pelis que, entre unas cosas y otras, todo el mundo ha podido ver en un momento dado: Cateto a babor y Top gun.

Cateto a babor se iba a llamar La marina te llama, y es un remake de Recluta con niño. Cuenta las andanzas de Miguel Cañete (Alfredo Landa), un labriego que recibe una citación para presentarse a la comandancia de Marina en San Fernando (Cádiz), con el agravante de que tiene un hermano pequeño que debe cuidar y que no quiere quedarse en los distintos alojamientos que el atribulado recluta le encuentra.

Por azares, acaba dejándolo en casa de El tigre de San Fernando, nombre boxeístico con el que se conoce a su particular chusquero, el sargento que lo arresta todos los domingos. El inflexible sargento tiene una hija ciega, de la que se enamora Cañete -no podía ser de otra manera- y que se lleva de perlas con el nene, que se llama Quique. El final está cantado: operan a la chica con éxito, y se presume que se casará con Miguel Cañete, que, por su parte, da todo por la Marina, llegando a reengancharse. Conmovedora. Os lo diré yo, que a los diez años la veía casi todos los días.

Top gun, como mínimo, cuenta con más presupuesto, pero me pone mucho más de los nervios. Una academia de élite de la US Air Force -supongo, porque va de avioncitos-, donde se alista una panda de campeones machotes de la muerte. Para más inri, la instructora está de buen ver -no podía tener pinta de amargada empollona, no- y el machote del Cruise se lía con ella. Al final, escena heroica, mucha moto y mucha felicidad.

Estos dos planteamientos no están tan lejos. A pesar de lo que se pueda ver a simple vista (Cañete viendo dónde encasqueta al niño, Maverick viendo quién la tiene más grande en el barracón), te venden esa moto de que en el ejército triunfarás, aunque seas tremendo paleto, aunque creas que los hay mejores que tú, o que no superarás la imagen sobrevalorada que tienes de tu padre fallecido en combate.

No sé el grado de éxito que tuvo Cateto a babor a la hora de reclutar gente, pero Hollywood de vez en cuando saca un bodrio de éstos (como la de la teniente O'Neill, también para mear y no echar gota) con un argumento espurio en el que realmente importa la valía del soldado y la escena de acción militar para enganchar a los últimos indecisos, y en la que al final el protagonista, que había sido puesto en duda durante toda la maldita peli, se pone a bien con todos sus detractores.

Si tengo que dar una opinión, el cine es un asco cuando no está al servicio de sí mismo. Amén.